Video Storyboard

O que Video Storyboard faz?

Quando Usar

Use esta skill quando o usuário precisar de um plano visual estruturado, plano a plano, para uma produção de vídeo — antes de qualquer quadro ser filmado ou animado.

Cenários de ativação:

• O usuário pede para storyboardar um conceito de vídeo, anúncio, demo, explicador ou filme com marca e precisa do resultado como uma tabela de planos, não como um roteiro.
• O usuário tem um roteiro ou briefing criativo e precisa que ele seja traduzido em direção de câmera pronta para produção — tipos de plano, movimentos, durações e dicas de áudio.
• O usuário precisa de uma lista de planos para entregar a um diretor de fotografia, videomaker ou editor que ainda não leu o conceito.
• O usuário está preparando um pacote de pré-produção e precisa de um documento de planejamento visual para acompanhar um tratamento ou roteiro.
• O usuário quer testar um conceito de vídeo quanto a problemas de ritmo, cobertura faltante ou estouro de duração antes de se comprometer com um dia de gravação.
• O usuário está coordenando uma produção com múltiplas câmeras (entrevista, evento ao vivo, painel) e precisa atribuir papéis de câmera por plano.
• O usuário precisa apresentar um conceito de vídeo a um cliente, stakeholder da marca ou produtor e quer um documento de pré-visualização profissional.

NÃO use quando:

• O usuário precisa de diálogo falado, texto de narração em câmera ou cópia de voiceover roteirizado — use video-script-writing.
• O usuário está planejando o título, thumbnail, tags ou estratégia de SEO de um vídeo do YouTube — use youtube-video-strategy.
• O usuário precisa de um gancho, legenda ou fluxo de conteúdo para um reel social ou TikTok de menos de 60 segundos — use short-form-video-planning.
• O usuário só quer um tratamento de vídeo de um parágrafo ou resumo do conceito — isso é um briefing criativo, não um storyboard.
• O usuário está pedindo instruções de edição de vídeo, decisões de correção de cor ou fluxos de pós-produção — esta skill termina na pré-produção.
• O usuário precisa de um plano de produção de podcast ou apenas áudio — não há componente visual para storyboard.

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Processo

Etapa 1: Extrair o Briefing de Produção

Antes de projetar um único plano, reúna todas as entradas que restringem a produção. Informações faltantes nesta etapa causam retrabalho estrutural mais tarde.

• Entradas obrigatórias: Conceito de vídeo ou roteiro (mesmo um resumo de um parágrafo funciona), duração alvo, plataforma ou formato de distribuição pretendido, estilo de vídeo (comercial, narrativo, tutorial, documentário, cabeça falante, montagem, explicador/animado) e público-alvo.
• Restrições de equipamento: Câmera única vs. múltiplas câmeras, disponibilidade de estabilização (gimbal, dolly, slider, guindaste/jib, drone), configuração de iluminação (apenas natural, estúdio, em locação) e disponibilidade de lentes — estes determinam quais planos são fisicamente possíveis.
• Número de sujeitos: Número de pessoas, produtos ou objetos em cena que precisam aparecer. Mais sujeitos por cena significam mais planos de cobertura necessários.
• Número de locações: Cada locação física requer seu próprio bloco de cena. Mais locações adicionam complexidade logística e tempo de preparação que afetam a contagem de planos por cena.
• Se as entradas estiverem incompletas: Não pare. Construa o storyboard com base em suposições razoáveis para o estilo de vídeo informado, depois sinalize cada suposição explicitamente em um bloco "Suposições de Produção" no topo da saída. Peça ao usuário para confirmá-las ou corrigi-las.
• Identifique o momento visual mais importante: Todo vídeo eficaz tem um "momento herói" — o plano para o qual toda a peça se constrói. Identifique-o cedo e proteja-o na estrutura.

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Etapa 2: Estabelecer a Arquitetura de Cenas

Cenas são sequências contínuas em uma única locação física ou um bloco de tempo contíguo. Dividir o conceito em cenas antes de projetar planos evita lacunas de cobertura.

• Referências de número de cenas por duração: Um comercial de 60 segundos normalmente tem 3 a 5 cenas; uma demo de produto de 2 a 3 minutos tem 4 a 7 cenas; um tutorial ou vídeo documental de 5 a 8 minutos tem 6 a 12 cenas. Mais cenas do que essas referências significa narrativa fragmentada — menos significa variedade visual insuficiente.
• Atribua uma função narrativa a cada cena: Configuração/problema, introdução do produto/solução, demonstração de recurso, prova social ou depoimento, resumo de benefícios e chamada para ação são os blocos narrativos comerciais padrão. Documentário e ficção narrativa usam: estabelecimento, incidente incitante, ação crescente, clímax e resolução. Cada cena deve merecer seu lugar avançando uma dessas funções.
• Identifique cada cena com: Número da cena, locação, condição de iluminação (natural/artificial, hora do dia, qualidade: dura/suave) e propósito narrativo (o que o espectador aprende ou sente no final desta cena).
• Estime a duração da cena em proporção ao peso narrativo: Cenas introdutórias e de CTA normalmente ocupam 10 a 20% da duração total cada. Cenas principais de demonstração ou história carregam 50 a 60%. Não aloque tempo igual para todas as cenas — isso cria ritmo monótono.
• Sinalize transições de mudança de locação cedo: Mover-se de um ambiente de estúdio controlado para uma locação natural no meio da gravação requer um plano de guarda-roupa, adereços e continuidade. Anote essas dependências antes de projetar planos.

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Etapa 3: Projetar Planos Individuais Dentro de Cada Cena

Cada plano é uma gravação contínua única de uma posição de câmera. Projete planos para servir à função narrativa da cena — não para exibir técnica.

• Vocabulário de tipos de plano — use estes termos exatos:

  • EWS (Extreme Wide Shot/Plano Geral Extremo): Ambiente completo, sujeito é pequeno ou ausente. Usado para estabelecer geografia ou escala.
  • WS (Wide Shot/Plano Geral): Sujeito visível em corpo inteiro com ambiente significativo. Usado para estabelecer locação e linguagem corporal.
  • MS (Medium Shot/Plano Médio): Da cintura para cima. Usado para cenas de conversa e contexto do produto.
  • MCU (Medium Close-Up/Plano Médio Close-Up): Do peito para cima. O plano de trabalho para entrevistas e diálogos — a maioria das notícias de TV usa MCU como padrão.
  • CU (Close-Up/Primeiro Plano): Rosto preenche o quadro, ou um recurso do produto preenche o quadro. Usado para picos emocionais e detalhes críticos.
  • ECU (Extreme Close-Up/Primeiríssimo Plano): Recurso único: olhos, mãos, um botão, uma textura, um rótulo. Usado para isolar detalhes que um CU não consegue isolar.
  • Insert (Inserção): Um plano de corte de um objeto ou ação diretamente referenciado na cena. Não é um plano de personagem — é um plano de coisa (uma tela de telefone, uma chave girando, uma assinatura no papel).
  • OTS (Over-the-Shoulder/Sobre o Ombro): Câmera atrás do ombro de um sujeito olhando para outro. Padrão para interações entre duas pessoas.
  • POV (Point of View/Ponto de Vista): Câmera colocada onde os olhos do sujeito estariam. Cria imersão em primeira pessoa.
  • Aéreo/Drone: Plano em ângulo alto estabelecendo geografia de cima. Requer equipamento específico e autorizações em muitas jurisdições.

• Vocabulário de movimento de câmera — use estes termos exatos:

  • Estático: Câmera travada no tripé. Movimento zero. O padrão para entrevistas e planos de produto.
  • Pan esquerda / Pan direita: Rotação horizontal em um eixo fixo. Usado para revelar ambiente ou seguir movimento lateral.
  • Tilt para cima / Tilt para baixo: Rotação vertical em um eixo fixo. Usado para revelações e para transmitir escala.
  • Track para frente / Track para trás: Câmera se move fisicamente em direção ou para longe do sujeito em um caminho linear. Requer dolly, slider ou gimbal. Distinto de zoom — a perspectiva muda.
  • Dolly esquerda / Dolly direita: Movimento físico lateral de toda a câmera. Cria profundidade de paralaxe.
  • Câmera na mão (Handheld): Operador de câmera segura a câmera sem estabilização. Introduz movimento orgânico e energia. Use deliberadamente para tensão, não como padrão.
  • Gimbal: Estabilização motorizada de 3 eixos. Permite movimento sem trepidação. O substituto moderno para um dolly em produções menores.
  • Guindaste / Jib para cima / Jib para baixo: Câmera sobe ou desce em um braço. Cria revelações dramáticas e autoridade.
  • Zoom in / Zoom out: Mudança de distância focal sem movimento físico da câmera. A perspectiva NÃO muda. Use com moderação — lê-se como uma escolha estilística, não cobertura neutra.

• A ação do sujeito deve ser específica e ativa: "Pessoa fala" não é uma ação. "Pessoa pega a garrafa, lê o rótulo, depois a coloca de volta" é. Cada plano deve descrever o que está fisicamente acontecendo no quadro.

• Atribua duração em segundos inteiros, mínimo de 2 segundos por plano: Planos gerais de estabelecimento normalmente duram 4 a 6 segundos. Planos de diálogo ou demonstração duram 3 a 8 segundos. Planos ECU e inserção duram 2 a 4 segundos. Cartões finais de CTA duram 4 a 8 segundos.

• Tempo de manuseio (Handle time): Adicione de 1 a 2 segundos à estimativa de duração de cada plano como buffer para edição. Um plano de 4 segundos deve ser filmado como 6 segundos. Anote o tempo de manuseio no Resumo de Produção, não por plano.

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Etapa 4: Aplicar Regras de Construção de Planos para Gramática Visual

Estas não são preferências estéticas — são os princípios estabelecidos de continuidade visual e ritmo que editores e diretores profissionais usam para manter o público orientado.

• A regra dos 180 graus: Em qualquer cena com dois sujeitos ou um sujeito em movimento, escolha um lado da ação e nunca o cruze com a câmera. Cruzar o eixo inverte as relações espaciais esquerda-direita e desorienta o espectador. Anote o eixo no cabeçalho da cena para cenas complexas.
• Saltos de tamanho de plano: Ao cortar entre dois planos do mesmo sujeito, o tamanho do plano deve mudar em pelo menos dois níveis (ex.: MS para CU, não MS para MCU). Cortar entre enquadramentos semelhantes do mesmo sujeito cria um "jump cut" que parece um erro, a menos que seja uma escolha estilística intencional (videoclipe, energia de cabeça falante).
• A regra dos terços: Os sujeitos devem ser enquadrados de modo que seus olhos (ou o elemento visual principal) estejam na interseção do terço superior, não no centro morto. Anote isso como uma instrução de enquadramento na coluna de Notas do plano quando for importante para o tipo de plano.
• Ritmo de variedade de planos: Não mais que 2 a 3 planos consecutivos do mesmo tamanho (ex.: três MCUs seguidos achatam a energia). Alterne entre planos mais abertos para contexto e planos mais fechados para detalhes. Um ritmo padrão útil: WS → MS → CU → Insert → MS é um bloco de cobertura completo para uma ação.
• Toda cena deve ter um plano de estabelecimento: O primeiro plano de uma nova locação deve orientar o espectador geograficamente. Isso é inegociável. A única exceção é uma revelação de mistério intencional onde a ambiguidade da locação é um dispositivo narrativo.
• Correspondência de linha de olhar (Eye-line matching): Se o sujeito A olha para a direita da tela no Plano X, o sujeito B (para quem A está olhando) deve olhar para a esquerda da tela no próximo plano. Linhas de olhar incompatíveis quebram a lógica espacial.
• Espaço de liderança e espaço de cabeça (Lead room and head room): Em sujeitos em movimento, o enquadramento da câmera deve deixar espaço na direção do movimento (lead room) e espaço apropriado acima da cabeça do sujeito (head room). Anote ajustes de enquadramento na coluna Notas.

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Etapa 5: Escrever Notas de Áudio para Cada Plano

O design de áudio acontece na pré-produção, não na pós. Cada plano precisa de uma anotação de áudio que oriente tanto a produção quanto o editor.

• Tipos de fonte de áudio: Som sincronizado (microfone ao vivo gravado na locação), voiceover/VO (narração gravada separadamente), música (faixa de fundo ou destaque), som ambiente/natural (tom da sala, ruído do ambiente), Efeitos Especiais de Áudio (SFX) (efeitos sonoros específicos: ping de notificação, clique mecânico, murmúrio de multidão) e silêncio (ausência intencional de áudio para impacto).
• Tempo do voiceover: Se um plano carrega VO, cite a primeira e a última palavra do VO que toca sobre ele (ex.: VO: "A maioria das pessoas esquece de..." → "...até que seja tarde demais."). Isso vincula o storyboard ao roteiro e permite que um editor saiba qual linha o plano deve apoiar.
• Notas de música: Especifique a qualidade emocional necessária (intensa, edificante, tensa, esparsa, calorosa) e o momento estrutural na música (música começa, música constrói, drop, pico, música desaparece). Não nomeie músicas específicas — descreva a função.
• Som ambiente: Para planos de locação, sempre anote "gravar tom da sala por 30 segundos no início da configuração da cena." Esta é uma instrução de produção que evita silêncio morto na edição.
• Diálogo sincronizado: Se um sujeito fala em câmera, anote as primeiras palavras de sua fala para que o storyboard seja vinculado ao roteiro. Se o diálogo não for roteirizado, marque como "diálogo improvisado" e anote o tópico (ex.: "improvisado: sujeito descreve sua rotina matinal").
• Sinalizadores de J-cut e L-cut: Quando o áudio da próxima cena deve começar antes do corte visual (J-cut) ou continuar após o corte visual (L-cut), marque isso no bloco de Transição entre as cenas. Essas são algumas das decisões editoriais mais poderosas e devem ser planejadas, não descobertas na pós.

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Etapa 6: Calcular a Duração e Sinalizar Riscos de Cobertura

Um storyboard que excede a duração alvo em 40% não está pronto para produção. A matemática da duração faz parte da entrega.

• Some todas as durações dos planos e compare com o alvo. Relate ambos os números.
• Tolerância aceitável: Dentro de ±15% do alvo está pronto para produção. 15 a 25% acima: marque os planos de menor prioridade como "CORTE OPCIONAL" na coluna de Notas. Mais de 25% acima: reestruture as cenas, não apenas os planos individuais.
• Taxa de cobertura: Cada cena deve ter planos suficientes para dar ao editor escolhas significativas. Uma cena de 10 segundos com um plano de 10 segundos dá ao editor flexibilidade zero. Planeje um mínimo de 3 planos por cena. Cenas de documentário e entrevista devem ter cobertura de 2x (planos suficientes para editar até 50% da duração bruta).
• Fórmula de tempo de gravação estimado: Duração total planejada do vídeo × 6 a 10 = tempo de gravação realista em minutos. Um vídeo de 90 segundos requer uma janela de gravação de 9 a 15 minutos de tempo de gravação real, mas as horas totais de produção (viagem, configuração, direção, retakes, desmontagem) são muito maiores — estime de 3 a 5 horas por locação para uma equipe pequena, de 6 a 10 horas por locação para uma equipe completa.
• Referência de tempo de configuração por plano: Planos simples de cabeça falante estáticos levam de 5 a 10 minutos para configurar por configuração. Planos de produto em superfície controlada: 15 a 30 minutos. Configurações com várias luzes ou equipamentos de movimento de câmera: 30 a 60 minutos por configuração. Use essas referências para produzir o número "Tempo de Gravação Estimado" no Resumo de Produção.
• Sinalize tipos de cobertura faltantes: Se não houver B-roll ou planos de inserção em uma cena que exigirá edição, sinalize isso. Uma entrevista de cabeça falante com n...