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Storyboard Vidéo

Quand l'utiliser

Utilisez cette compétence lorsque l'utilisateur a besoin d'un plan visuel structuré, plan par plan, pour une production vidéo, avant qu'une seule image ne soit filmée ou animée.

Scénarios déclencheurs :

• L'utilisateur demande de storyboarder un concept vidéo, une publicité, une démo, une vidéo explicative ou un film de marque et a besoin du résultat sous forme de tableau de plans plutôt que d'un script.
• L'utilisateur a un script ou un brief créatif et a besoin qu'il soit traduit en indications caméra prêtes à la production — types de plans, mouvements, durées et indices audio.
• L'utilisateur a besoin d'une liste de plans à remettre à un directeur de la photographie, un vidéaste ou un monteur qui n'a pas encore lu le concept.
• L'utilisateur prépare un dossier de pré-production et a besoin d'un document de planification visuelle pour accompagner un traitement ou un script.
• L'utilisateur veut tester un concept vidéo pour détecter les problèmes de rythme, les manques de couverture ou les dépassements de durée avant de s'engager sur un jour de tournage.
• L'utilisateur coordonne une production multi-caméras (interview, événement en direct, panel) et a besoin d'attribuer les rôles de caméra par plan.
• L'utilisateur doit présenter un concept vidéo à un client, un responsable de marque ou un producteur et souhaite un document de pré-visualisation professionnel.

Ne PAS utiliser lorsque :

• L'utilisateur a besoin de dialogue parlé, de texte de narration à l'écran ou de copy voiceover scénarisé — utilisez plutôt video-script-writing.
• L'utilisateur planifie le titre, la miniature, les tags ou la stratégie SEO d'une vidéo YouTube — utilisez plutôt youtube-video-strategy.
• L'utilisateur a besoin d'un accroche, d'une légende ou d'un flux de contenu pour un reel social de moins de 60 secondes ou TikTok — utilisez plutôt short-form-video-planning.
• L'utilisateur souhaite uniquement un traitement vidéo d'un paragraphe ou un résumé de concept — il s'agit d'un brief créatif, pas d'un storyboard.
• L'utilisateur demande des instructions de montage vidéo, des décisions d'étalonnage ou des workflows de post-production — cette compétence s'arrête à la pré-production.
• L'utilisateur a besoin d'un plan de production audio uniquement (podcast) — il n'y a pas de composante visuelle à storyboarder.

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Processus

Étape 1 : Extraire le brief de production

Avant de concevoir un seul plan, rassemblez toutes les informations qui contraignent la production. Des informations manquantes à ce stade entraînent des remaniements structurels ultérieurs.

• Entrées requises : Concept vidéo ou script (même un résumé d'un paragraphe fonctionne), durée cible, plateforme ou format de distribution prévu, style vidéo (commercial, narratif, tutoriel, documentaire, talking-head, montage, explicatif/animé) et public cible.
• Contraintes d'équipement : Mono-caméra vs multi-caméras, disponibilité de stabilisation (gimbal, dolly, slider, grue/jib, drone), configuration d'éclairage (naturel uniquement, studio, en extérieur) et disponibilité des objectifs — celles-ci dictent quels plans sont physiquement possibles.
• Nombre de sujets : Nombre de personnes, produits ou objets à l'écran qui doivent apparaître. Plus de sujets par scène signifie plus de plans de couverture nécessaires.
• Nombre de lieux : Chaque lieu physique nécessite son propre bloc de scène. Plus de lieux ajoutent de la complexité logistique et du temps d'installation qui affectent le nombre de plans par scène.
• Si les entrées sont incomplètes : Ne vous arrêtez pas. Construisez le storyboard sur la base d'hypothèses raisonnables pour le style vidéo indiqué, puis signalez chaque hypothèse explicitement dans un bloc « Hypothèses de production » en haut de la sortie. Demandez à l'utilisateur de les confirmer ou de les corriger.
• Identifiez le moment visuel le plus important : Chaque vidéo efficace a un « moment héroïque » — le plan vers lequel l'ensemble du projet converge. Identifiez-le tôt et protégez-le dans la structure.

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Étape 2 : Établir l'architecture des scènes

Les scènes sont des séquences continues dans un seul lieu physique ou un bloc temporel contigu. Diviser le concept en scènes avant de concevoir les plans évite les lacunes de couverture.

• Repères de nombre de scènes par durée : Une publicité de 60 secondes compte généralement 3 à 5 scènes ; une démo produit de 2 à 3 minutes compte 4 à 7 scènes ; un tutoriel ou documentaire de 5 à 8 minutes compte 6 à 12 scènes. Plus de scènes que ces repères signifie une narration fragmentée — moins signifie une variété visuelle insuffisante.
• Attribuez une fonction narrative à chaque scène : Présentation du problème/solution, introduction du produit/solution, démonstration de fonctionnalité, preuve sociale ou témoignage, résumé des avantages et appel à l'action sont les blocs narratifs commerciaux standard. Le documentaire et la fiction narrative utilisent : présentation, incident déclencheur, action montante, climax et résolution. Chaque scène doit gagner sa place en faisant avancer l'une de ces fonctions.
• Étiquetez chaque scène avec : Numéro de scène, lieu, condition d'éclairage (naturel/artificiel, heure de la journée, qualité : dure/douce) et objectif narratif (ce que le spectateur apprend ou ressent à la fin de cette scène).
• Estimez la durée de la scène en proportion du poids narratif : Les scènes d'introduction et d'appel à l'action représentent généralement 10 à 20 % de la durée totale chacune. Les scènes de démonstration ou d'histoire principales portent 50 à 60 %. N'allouez pas le même temps à toutes les scènes — cela crée un rythme plat.
• Signalez tôt les transitions de changement de lieu : Passer d'un environnement de studio contrôlé à un lieu naturel en cours de tournage nécessite un plan de garde-robe, d'accessoires et de continuité. Notez ces dépendances avant de concevoir les plans.

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Étape 3 : Concevoir les plans individuels dans chaque scène

Chaque plan est un enregistrement continu unique à partir d'une position de caméra. Concevez les plans pour servir la fonction narrative de la scène — pas pour montrer la technique.

• Vocabulaire des types de plans — utilisez ces termes exacts :

  • EWS (Plan très large) : Environnement complet, le sujet est petit ou absent. Utilisé pour établir la géographie ou l'échelle.
  • WS (Plan large) : Sujet en pied visible avec un environnement significatif. Utilisé pour établir le lieu et le langage corporel.
  • MS (Plan moyen) : De la taille à la tête. Utilisé pour les scènes conversationnelles et le contexte produit.
  • MCU (Plan moyen rapproché) : De la poitrine à la tête. Le plan de travail pour les interviews et les dialogues — la plupart des journaux télévisés utilisent le MCU par défaut.
  • CU (Gros plan) : Le visage remplit le cadre, ou une caractéristique du produit remplit le cadre. Utilisé pour les pics émotionnels et les détails critiques.
  • ECU (Très gros plan) : Fonctionnalité unique : yeux, mains, un bouton, une texture, une étiquette. Utilisé pour isoler un détail qu'un CU ne peut pas isoler.
  • Insert : Plan de coupe d'un objet ou d'une action directement référencée dans la scène. Ce n'est pas un plan de personnage — c'est un plan d'objet (un écran de téléphone, une clé qui tourne, une signature sur du papier).
  • OTS (Par-dessus l'épaule) : Caméra derrière l'épaule d'un sujet regardant vers un autre. Standard pour les interactions à deux personnes.
  • POV (Point de vue) : Caméra placée là où seraient les yeux du sujet. Crée une immersion à la première personne.
  • Aérien/Drone : Plan en plongée établissant la géographie depuis le haut. Nécessite un équipement spécifique et des permis dans de nombreuses juridictions.

• Vocabulaire des mouvements de caméra — utilisez ces termes exacts :

  • Statique : Caméra verrouillée sur trépied. Zéro mouvement. La valeur par défaut pour les interviews et les plans produit.
  • Panoramique gauche / Panoramique droite : Rotation horizontale sur un axe fixe. Utilisé pour révéler l'environnement ou suivre un mouvement latéral.
  • Inclinaison vers le haut / Inclinaison vers le bas : Rotation verticale sur un axe fixe. Utilisé pour les révélations et pour transmettre l'échelle.
  • Travelling avant / Travelling arrière : La caméra se déplace physiquement vers ou s'éloigne du sujet sur un chemin linéaire. Nécessite un dolly, un slider ou un gimbal. Distinct du zoom — la perspective change.
  • Travelling gauche / Travelling droite : Mouvement physique latéral de toute la caméra. Crée une profondeur de parallaxe.
  • Porté : L'opérateur tient la caméra sans stabilisation. Introduit un mouvement organique et de l'énergie. Utilisez-le délibérément pour la tension, pas par défaut.
  • Gimbal : Stabilisation motorisée sur 3 axes. Permet le mouvement sans secousses. Le substitut moderne du dolly pour les petites productions.
  • Grue / Jib vers le haut / Jib vers le bas : La caméra monte ou descend sur un bras. Crée des révélations dramatiques et de l'autorité.
  • Zoom avant / Zoom arrière : Changement de distance focale sans mouvement physique de la caméra. La perspective ne change PAS. Utilisez-le avec parcimonie — il est perçu comme un choix stylistique, pas comme une couverture neutre.

• L'action du sujet doit être spécifique et active : « La personne parle » n'est pas une action. « La personne prend la bouteille, lit l'étiquette, puis la repose » en est une. Chaque plan doit décrire ce qui se passe physiquement dans le cadre.

• Attribuez une durée en secondes entières, minimum 2 secondes par plan : Les plans larges d'établissement durent généralement 4 à 6 secondes. Les plans de dialogue ou de démonstration durent 3 à 8 secondes. Les plans ECU et insert durent 2 à 4 secondes. Les cartes de fin d'appel à l'action durent 4 à 8 secondes.

• Marge de manœuvre : Ajoutez 1 à 2 secondes à l'estimation de durée de chaque plan comme marge pour le montage. Un plan de 4 secondes doit être filmé pendant 6 secondes. Notez la marge de manœuvre dans le Résumé de production, pas plan par plan.

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Étape 4 : Appliquer les règles de construction des plans pour la grammaire visuelle

Ce ne sont pas des préférences esthétiques — ce sont les principes établis de continuité visuelle et de rythme que les monteurs et réalisateurs professionnels utilisent pour garder le public orienté.

• La règle des 180 degrés : Dans toute scène avec deux sujets ou un sujet en mouvement, choisissez un côté de l'action et ne le franchissez jamais avec la caméra. Franchir l'axe inverse les relations spatiales gauche-droite et désoriente le spectateur. Notez l'axe dans l'en-tête de la scène pour les scènes complexes.
• Sauts de taille de plan : Lors du passage d'un plan à un autre du même sujet, la taille du plan doit changer d'au moins deux niveaux (par exemple, MS à CU, pas MS à MCU). Couper entre des cadrages similaires du même sujet crée un « jump cut » qui ressemble à une erreur, sauf s'il s'agit d'un choix stylistique intentionnel (clip musical, énergie talking-head).
• La règle des tiers : Les sujets doivent être cadrés de sorte que leurs yeux (ou l'élément visuel principal) soient à l'intersection du tiers supérieur, pas au centre mort. Notez ceci comme une instruction de cadrage dans la colonne Notes du plan lorsque cela est important pour le type de plan.
• Rythme de variété des plans : Pas plus de 2 à 3 plans consécutifs de la même taille (par exemple, trois MCU d'affilée aplatissent l'énergie). Alternez entre des plans plus larges pour le contexte et des plans plus serrés pour les détails. Un rythme par défaut utile : WS → MS → CU → Insert → MS est un bloc de couverture complet pour une action.
• Chaque scène doit avoir un plan d'établissement : Le premier plan d'un nouveau lieu doit orienter géographiquement le spectateur. Ce n'est pas négociable. La seule exception est une révélation mystérieuse intentionnelle où l'ambiguïté du lieu est un dispositif narratif.
• Raccord regard : Si le sujet A regarde vers la droite de l'écran dans le plan X, le sujet B (que A regarde) doit regarder vers la gauche de l'écran dans le plan suivant. Des regards mal assortis brisent la logique spatiale.
• Espace de fuite et espace de tête : Pour les sujets en mouvement, le cadrage de la caméra doit laisser un espace dans la direction du mouvement (espace de fuite) et un espace approprié au-dessus de la tête du sujet (espace de tête). Notez les ajustements de cadrage dans la colonne Notes.

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Étape 5 : Rédiger les notes audio pour chaque plan

La conception audio se fait en pré-production, pas en post-production. Chaque plan a besoin d'une annotation audio qui guide à la fois le tournage de production et le monteur.

• Types de sources audio : Son synchrone (microphone en direct enregistré sur place), voix off/VO (narration enregistrée séparément), musique (piste de fond ou en vedette), son ambiant/naturel (ton de la pièce, bruit d'environnement), SFX (effets sonores spécifiques : notification ping, clic mécanique, murmure de foule) et silence (absence intentionnelle de son pour l'impact).
• Timing de la voix off : Si un plan comporte une VO, citez le premier et le dernier mot de la VO qui passe dessus (par exemple, VO : « La plupart des gens oublient de... » → « ... jusqu'à ce qu'il soit trop tard. »). Cela lie le storyboard au script et permet à un monteur de savoir quelle ligne le plan doit soutenir.
• Notes musicales : Spécifiez la qualité émotionnelle nécessaire (entraînante, édifiante, tendue, éparse, chaleureuse) et le moment structurel dans la musique (la musique commence, la musique monte, le drop, le pic, la musique s'estompe). Ne nommez pas de chansons spécifiques — décrivez la fonction.
• Son ambiant : Pour les plans en extérieur, notez toujours « enregistrer le ton de la pièce pendant 30 secondes au début de la configuration de la scène. » C'est une instruction de production qui évite le silence mort dans le montage.
• Dialogue synchrone : Si un sujet parle à l'écran, notez les premiers mots de sa réplique afin que le storyboard soit lié au script. Si le dialogue n'est pas scénarisé, marquez-le comme « dialogue improvisé » et notez le sujet (par exemple, « improvisé : le sujet décrit sa routine matinale »).
• Indicateurs J-cut et L-cut : Lorsque l'audio de la scène suivante doit commencer avant la coupe visuelle (J-cut) ou se poursuivre après la coupe visuelle (L-cut), marquez-le dans le bloc Transition entre les scènes. Ce sont certaines des décisions éditoriales les plus puissantes et elles doivent être planifiées, pas découvertes en post-production.

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Étape 6 : Calculer la durée et signaler les risques de couverture

Un storyboard qui dépasse de 40 % la durée cible n'est pas prêt pour la production. Le calcul de la durée fait partie du livrable.

• Additionnez toutes les durées des plans et comparez à la cible. Rapportez les deux chiffres.
• Tolérance acceptable : Dans une marge de ±15 % de la cible, le document est prêt pour la production. 15 à 25 % de dépassement : marquez les plans de moindre priorité comme « COUPE OPTIONNELLE » dans la colonne Notes. Plus de 25 % de dépassement : restructurez les scènes, pas seulement les plans individuels.
• Ratio de couverture : Chaque scène doit avoir suffisamment de plans pour donner au monteur des choix significatifs. Une scène de 10 secondes avec un plan de 10 secondes ne donne aucune flexibilité au monteur. Planifiez un minimum de 3 plans par scène. Les scènes de documentaire et d'interview doivent avoir une couverture 2x (assez de plans pour réduire à 50 % de la durée brute).
• Formule d'estimation du temps de tournage : Durée totale de la vidéo planifiée × 6 à 10 = temps de tournage réaliste en minutes. Une vidéo de 90 secondes nécessite une fenêtre de tournage de 9 à 15 minutes de temps d'enregistrement réel, mais les heures de production totales (déplacement, installation, réalisation, reprises, démontage) sont beaucoup plus longues — estimez 3 à 5 heures par lieu pour une petite équipe, 6 à 10 heures par lieu pour une équipe complète.
• Repère de temps d'installation par plan : Les plans simples de talking-head statiques prennent 5 à 10 minutes à installer par configuration. Les plans de produit sur une surface contrôlée : 15 à 30 minutes. Les configurations multi-lumières ou les systèmes de mouvement de caméra : 30 à 60 minutes par configuration. Utilisez ces repères pour produire le chiffre « Temps de tournage estimé » dans le Résumé de production.
• Signalez les types de couverture manquants : Si aucun plan B-roll ou insert n'existe dans une scène qui nécessitera du montage, signalez-le. Une interview talking-head sans plans de couverture n'est pas un storyboard complet.