Videostoryboard

Was macht Videostoryboard?

Verwendung

Verwende dieses Skill, wenn der Nutzer eine strukturierte, schussgenaue visuelle Planung für eine Videoproduktion benötigt – bevor auch nur ein einziges Bild gedreht oder animiert wird.

Auslöseszenarien:

• Der Nutzer bittet um ein Storyboard zu einem Videokonzept, Werbespot, Demo, Erklärvideo oder Markenfilm und benötigt das Ergebnis als Einstellungstabelle, nicht als Drehbuch.
• Der Nutzer hat ein Drehbuch oder eine kreative Kurzfassung und braucht eine Übersetzung in produktionsbereite Kameraregie – Einstellungstypen, Bewegungen, Dauern und Audio-Cues.
• Der Nutzer benötigt eine Einstellungsliste, die er einem Kameramann, Videografen oder Cutter übergeben kann, die das Konzept noch nicht gelesen haben.
• Der Nutzer bereitet eine Vorproduktionsmappe vor und benötigt ein visuelles Planungsdokument als Begleitmaterial zu einem Treatment oder Drehbuch.
• Der Nutzer möchte ein Videokonzept auf Tempoprobleme, fehlende Abdeckung oder Zeitüberschreitungen testen, bevor er sich auf einen Drehtag festlegt.
• Der Nutzer koordiniert eine Multi-Kamera-Produktion (Interview, Live-Event, Panel) und muss Kamerarollen pro Einstellung zuweisen.
• Der Nutzer muss ein Videokonzept einem Kunden, Markenverantwortlichen oder Produzenten präsentieren und möchte ein professionelles Vorvisualisierungs-Dokument.

NICHT verwenden, wenn:

• Der Nutzer gesprochene Dialoge, On-Camera-Erzähltexte oder vertonte Voiceover benötigt – verwende video-script-writing.
• Der Nutzer Titel, Thumbnail, Tags oder SEO-Strategie für ein YouTube-Video plant – verwende youtube-video-strategy.
• Der Nutzer einen Haken, eine Bildunterschrift oder einen Inhaltsfluss für einen Social-Reel unter 60 Sekunden oder TikTok benötigt – verwende short-form-video-planning.
• Der Nutzer lediglich einen einseitigen Videotreatment oder eine Konzeptzusammenfassung möchte – das ist eine kreative Kurzfassung, kein Storyboard.
• Der Nutzer nach Videobearbeitungsanleitungen, Farbkorrekturentscheidungen oder Post-Production-Workflows fragt – dieses Skill endet in der Vorproduktion.
• Der Nutzer einen Podcast oder einen Audioproduktionsplan benötigt – es gibt keine visuelle Komponente, die gestoryboardet werden könnte.

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Prozess

Schritt 1: Extrahiere die Produktionskurzfassung

Bevor du eine einzige Einstellung entwirfst, sammle alle Eingaben, die die Produktion einschränken. Fehlende Informationen in dieser Phase führen später zu strukturellen Nacharbeiten.

• Erforderliche Eingaben: Videokonzept oder Drehbuch (selbst eine kurze Zusammenfassung genügt), Zieldauer, beabsichtigte Plattform oder Verteilungsformat, Videostil (Werbespot, Erzählung, Tutorial, Dokumentation, Talking-Head, Montage, Erklär-/Animationsvideo), und Zielgruppe.
• Ausrüstungseinschränkungen: Einzel- vs. Multi-Kamera, Verfügbarkeit von Stabilisierung (Gimbal, Dolly, Slider, Kran/Jib, Drohne), Lichtsetup (nur natürliches Licht, Studio, Außenaufnahmen), und Objektivverfügbarkeit – diese bestimmen, welche Einstellungen physikalisch möglich sind.
• Anzahl der Subjekte: Anzahl der on-camera Personen, Produkte oder Objekte, die erscheinen müssen. Mehr Subjekte pro Szene bedeuten mehr Abdeckungseinstellungen.
• Anzahl der Locations: Jeder physische Ort erfordert seinen eigenen Szenenblock. Mehr Locations erhöhen die logistische Komplexität und die Aufbauzeit, was die Anzahl der Einstellungen pro Szene beeinflusst.
• Wenn Eingaben unvollständig sind: Stoppe nicht. Erstelle das Storyboard basierend auf vernünftigen Annahmen für den angegebenen Videostil und markiere dann jede Annahme explizit in einem Block „Produktionsannahmen“ am Anfang der Ausgabe. Bitte den Nutzer, sie zu bestätigen oder zu korrigieren.
• Identifiziere den wichtigsten visuellen Moment: Jedes effektive Video hat einen „Held-Moment“ – die Einstellung, auf die das gesamte Stück hinarbeitet. Identifiziere ihn frühzeitig und schütze ihn in der Struktur.

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Schritt 2: Etabliere die Szenenarchitektur

Szenen sind fortlaufende Sequenzen an einem einzigen physischen Ort oder in einem zusammenhängenden Zeitblock. Die Unterteilung des Konzepts in Szenen vor dem Entwurf von Einstellungen verhindert Abdeckungslücken.

• Richtwerte für die Anzahl der Szenen nach Dauer: Ein 60-Sekunden-Werbespot hat typischerweise 3–5 Szenen; eine 2–3-minütige Produktdemo hat 4–7 Szenen; ein 5–8-minütiges Tutorial oder dokumentarischer Film hat 6–12 Szenen. Mehr Szenen als diese Richtwerte bedeuten fragmentiertes Erzählen – weniger bedeuten unzureichende visuelle Abwechslung.
• Weise jeder Szene eine narrative Funktion zu: Aufbau/Problem, Produkt-/Lösungsvorstellung, Feature-Demonstration, sozialer Beweis oder Testimonial, Nutzenzusammenfassung und Call-to-Action sind die standardmäßigen narrativen Bausteine von Werbespots. Dokumentationen und narrative Fiktion verwenden: Etablierung, auslösendes Ereignis, steigende Handlung, Höhepunkt und Auflösung. Jede Szene muss ihren Platz verdienen, indem sie eine dieser Funktionen voranbringt.
• Kennzeichne jede Szene mit: Szenennummer, Ort, Lichtbedingungen (natürlich/künstlich, Tageszeit, Qualität: hart/weich), und narrativer Zweck (was der Zuschauer am Ende dieser Szene lernt oder fühlt).
• Schätze die Szenendauer proportional zum narrativen Gewicht: Einleitungs- und CTA-Szenen machen in der Regel jeweils 10–20 % der Gesamtdauer aus. Kerndarstellungs- oder Story-Szenen tragen 50–60 %. Verteile nicht gleichmäßig Zeit auf alle Szenen – das erzeugt eine flache Dramaturgie.
• Markiere Übergänge bei Ortswechseln frühzeitig: Der Wechsel von einer kontrollierten Studio-Umgebung zu einem natürlichen Ort während des Drehs erfordert einen Plan für Kostüme, Requisiten und Kontinuität. Notiere diese Abhängigkeiten, bevor du Einstellungen entwirfst.

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Schritt 3: Entwerfe einzelne Einstellungen innerhalb jeder Szene

Jede Einstellung ist eine einzelne ununterbrochene Aufnahme von einer Kameraposition. Entwerfe Einstellungen, um die narrative Funktion der Szene zu erfüllen – nicht, um Technik zu zeigen.

• Vokabular der Einstellungstypen – verwende diese genauen Begriffe:

  • EWS (Extreme Wide Shot): Vollständige Umgebung, Subjekt ist klein oder abwesend. Wird verwendet, um Geografie oder Maßstab zu etablieren.
  • WS (Wide Shot): Subjekt in voller Körpergröße sichtbar mit erheblicher Umgebung. Wird verwendet, um Ort und Körpersprache zu etablieren.
  • MS (Medium Shot): Taille bis Kopf. Wird verwendet für Gesprächsszenen und Produktkontext.
  • MCU (Medium Close-Up): Brust bis Kopf. Die Arbeitseinstellung für Interviews und Dialoge – die meisten Nachrichtensendungen verwenden MCU als Standard.
  • CU (Close-Up): Gesicht füllt den Rahmen, oder ein Produktdetail füllt den Rahmen. Wird verwendet für emotionale Höhepunkte und kritische Details.
  • ECU (Extreme Close-Up): Ein einzelnes Merkmal: Augen, Hände, ein Knopf, eine Textur, ein Etikett. Wird verwendet, um ein Detail zu isolieren, das ein CU nicht isolieren kann.
  • Insert: Eine Schnitteinstellung eines Objekts oder einer Aktion, die direkt in der Szene erwähnt wird. Keine Personeneinstellung – eine Objekteinstellung (ein Telefonbildschirm, ein sich drehender Schlüssel, eine Unterschrift auf Papier).
  • OTS (Over-the-Shoulder): Kamera hinter der Schulter eines Subjekts, das auf ein anderes blickt. Standard für Zwei-Personen-Interaktionen.
  • POV (Point of View): Kamera platziert, wo die Augen des Subjekts wären. Erzeugt Ich-Perspektive-Immersion.
  • Aerial/Drone: Hochwinkelaufnahme, die Geografie von oben etabliert. Erfordert spezielle Ausrüstung und in vielen Ländern Genehmigungen.

• Vokabular der Kamerabewegung – verwende diese genauen Begriffe:

  • Statisch: Kamera auf Stativ fixiert. Keine Bewegung. Der Standard für Interview- und Produkteinstellungen.
  • Schwenk links / Schwenk rechts: Horizontale Drehung auf einer festen Achse. Wird verwendet, um die Umgebung zu enthüllen oder lateraler Bewegung zu folgen.
  • Neigung hoch / Neigung runter: Vertikale Drehung auf einer festen Achse. Wird verwendet für Enthüllungen und um Maßstab zu vermitteln.
  • Fahrt vorwärts / Fahrt rückwärts: Kamera bewegt sich physisch auf einer linearen Bahn auf das Subjekt zu oder von ihm weg. Erfordert Dolly, Slider oder Gimbal. Unterscheidet sich vom Zoom – die Perspektive ändert sich.
  • Fahrt links / Fahrt rechts: Laterale physische Bewegung der gesamten Kamera. Erzeugt Parallaxentiefe.
  • Handheld: Kameraoperator hält die Kamera ohne Stabilisierung. Bringt organische Bewegung und Energie. Verwende es bewusst für Spannung, nicht als Standard.
  • Gimbal: Motorisierte 3-Achsen-Stabilisierung. Ermöglicht Bewegung ohne Verwackeln. Der moderne Ersatz für einen Dolly bei kleineren Produktionen.
  • Kran / Jib hoch / Jib runter: Kamera steigt oder sinkt an einem Arm. Erzeugt dramatische Enthüllungen und Autorität.
  • Zoom rein / Zoom raus: Änderung der Brennweite ohne physische Kamerabewegung. Die Perspektive ändert sich NICHT. Verwende sparsam – es wirkt wie eine stilistische Wahl, nicht als neutrale Abdeckung.

• Subjekthandlung muss spezifisch und aktiv sein: „Person spricht“ ist keine Handlung. „Person hebt eine Flasche auf, liest das Etikett, setzt sie dann ab“ ist eine Handlung. Jede Einstellung sollte beschreiben, was im Bild physisch passiert.

• Weise die Dauer in ganzen Sekunden zu, mindestens 2 Sekunden pro Einstellung: Weite Etablierungseinstellungen laufen typischerweise 4–6 Sekunden. Dialog- oder Demo-Einstellungen laufen 3–8 Sekunden. ECU- und Insert-Einstellungen laufen 2–4 Sekunden. CTA-Endkarten laufen 4–8 Sekunden.

• Greifzeit: Füge jeder Einstellungsschätzung 1–2 Sekunden als Puffer für den Schnitt hinzu. Eine 4-Sekunden-Einstellung sollte als 6 Sekunden gefilmt werden. Notiere die Greifzeit in der Produktionszusammenfassung, nicht pro Einstellung.

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Schritt 4: Wende Regeln zur Einstellungskonstruktion für visuelle Grammatik an

Dies sind keine ästhetischen Vorlieben – sie sind die etablierten Prinzipien der visuellen Kontinuität und des Timings, die professionelle Cutter und Regisseure verwenden, um das Publikum orientiert zu halten.

• Die 180-Grad-Regel: Wähle in jeder Szene mit zwei Subjekten oder einem sich bewegenden Subjekt eine Seite der Handlung und überschreite sie niemals mit der Kamera. Das Überschreiten der Achse kehrt die Links-Rechts-Raumbeziehungen um und desorientiert den Zuschauer. Notiere die Achse im Szenenkopf für komplexe Szenen.
• Sprung in der Einstellungsgröße: Wenn du zwischen zwei Einstellungen desselben Subjekts schneidest, muss sich die Einstellungsgröße um mindestens zwei Stufen ändern (z. B. MS zu CU, nicht MS zu MCU). Das Schneiden zwischen ähnlichen Bildausschnitten desselben Subjekts erzeugt einen „Jump Cut“, der wie ein Fehler wirkt, es sei denn, es ist eine bewusste stilistische Wahl (Musikvideo, Talking-Head-Energie).
• Der Goldene Schnitt (Drittelregel): Subjekte sollten so im Bild sein, dass ihre Augen (oder das primäre visuelle Element) auf dem oberen Drittel-Kreuzungspunkt liegen, nicht in der Mitte. Notiere dies als Bildanweisung in der Spalte „Notizen“ der Einstellung, wenn es für den Einstellungstyp relevant ist.
• Rhythmus der Einstellungsvielfalt: Nicht mehr als 2–3 aufeinanderfolgende Einstellungen derselben Größe (z. B. drei MCUs hintereinander lassen die Energie abflachen). Wechsle zwischen weiteren Einstellungen für Kontext und engeren Einstellungen für Details. Ein nützlicher Standardrhythmus: WS → MS → CU → Insert → MS ist ein vollständiger Abdeckungsblock für eine Aktion.
• Jede Szene muss eine Etablierungseinstellung haben: Die erste Einstellung eines neuen Ortes muss den Zuschauer geografisch orientieren. Dies ist nicht verhandelbar. Die einzige Ausnahme ist eine bewusste Mystery-Enthüllung, bei der die räumliche Mehrdeutigkeit ein narratives Mittel ist.
• Blickrichtungszuordnung: Wenn Subjekt A in Einstellung X nach rechts schaut, muss Subjekt B (das A ansieht) in der nächsten Einstellung nach links schauen. Nicht übereinstimmende Blickrichtungen brechen die räumliche Logik.
• Bewegungsraum und Kopfraum: Bei sich bewegenden Subjekten muss der Bildausschnitt Raum in die Bewegungsrichtung lassen (Bewegungsraum) und angemessenen Raum über dem Kopf des Subjekts lassen (Kopfraum). Notiere Anpassungen des Bildausschnitts in der Spalte „Notizen“.

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Schritt 5: Schreibe Audio-Notizen für jede Einstellung

Audiogestaltung findet in der Vorproduktion statt, nicht im Schnitt. Jede Einstellung benötigt eine Audio-Anmerkung, die sowohl den Dreh als auch den Cutter leitet.

• Audioquellen-Typen: Synchronton (Live-Mikrofon am Drehort aufgenommen), Voiceover/VO (separat aufgenommene Erzählung), Musik (Hintergrund- oder hervorgehobener Titel), Umgebungs-/Nat-Ton (Raumklang, Umgebungsgeräusche), SFX (spezifische Soundeffekte: Benachrichtigungston, mechanischer Klick, Menschenmenge gemurmel), und Stille (bewusste Abwesenheit von Ton für Wirkung).
• Voiceover-Timing: Wenn eine Einstellung VO trägt, zitiere das erste und letzte Wort des VO, das darüber läuft (z. B. VO: „Die meisten Leute vergessen…“ → „…bis es zu spät ist.“). Dies verbindet das Storyboard mit dem Drehbuch und ermöglicht es dem Cutter zu wissen, welche Zeile die Einstellung unterstützen muss.
• Musik-Notizen: Gib die benötigte emotionale Qualität an (treibend, aufbauend, angespannt, sparsam, warm) und den strukturellen Moment in der Musik (Musik beginnt, Musik baut auf, Drop, Höhepunkt, Musik blendet aus). Nenne keine bestimmten Songs – beschreibe die Funktion.
• Umgebungsgeräusche: Notiere bei Location-Aufnahmen immer „Raumklang 30 Sekunden bei Szenenaufbau aufnehmen.“ Dies ist eine Produktionsanweisung, die tote Stille im Schnitt verhindert.
• Synchrondialog: Wenn ein Subjekt vor der Kamera spricht, notiere die ersten paar Wörter seines Satzes, damit das Storyboard mit dem Drehbuch verbunden ist. Wenn der Dialog nicht verschriftet ist, markiere als „improvisierter Dialog“ und notiere das Thema (z. B. „improvisiert: Subjekt beschreibt seine Morgenroutine“).
• J-Cut- und L-Cut-Flagger: Wenn Audio aus der nächsten Szene vor dem visuellen Schnitt beginnen (J-Cut) oder nach dem visuellen Schnitt fortgesetzt werden soll (L-Cut), markiere dies im Übergangsblock zwischen den Szenen. Dies sind einige der wirkungsvollsten Schnittentscheidungen und sie müssen geplant, nicht in der Postproduktion entdeckt werden.

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Schritt 6: Berechne die Dauer und markiere Abdeckungsrisiken

Ein Storyboard, das 40 % über der Zieldauer liegt, ist nicht produktionsbereit. Dauerberechnung ist Teil des Ergebnisses.

• Summiere alle Einstellungsdauern und vergleiche sie mit dem Ziel. Gib beide Werte an.
• Akzeptable Toleranz: Innerhalb ±15 % des Ziels ist produktionsbereit. 15–25 % darüber: Markiere niedrigpriore Einstellungen als „OPTIONALER SCHNITT“ in der Spalte „Notizen“. Mehr als 25 % darüber: Strukturiere Szenen um, nicht nur einzelne Einstellungen.
• Abdeckungsverhältnis: Jede Szene sollte genügend Einstellungen haben, um dem Cutter sinnvolle Wahlmöglichkeiten zu geben. Eine 10-Sekunden-Szene mit einer 10-Sekunden-Einstellung gibt dem Cutter null Flexibilität. Plane mindestens 3 Einstellungen pro Szene. Dokumentations- und Interview-Szenen sollten 2-fache Abdeckung haben (genügend Einstellungen, um auf 50 % der Rohdauer zu schneiden).
• Geschätzte Drehzeit-Formel: Gesamt geplante Videodauer × 6 bis 10 = realistische Drehzeit in Minuten. Ein 90-Sekunden-Video erfordert ein 9–15-minütiges Zeitfenster für die tatsächliche Aufnahmezeit, aber die gesamten Produktionsstunden (Anreise, Aufbau, Regie, Wiederholungen, Abbau) sind viel länger – schätze 3–5 Stunden pro Location für eine kleine Crew, 6–10 Stunden pro Location für eine vollständige Crew.
• Richtwert für Einrichtungszeit pro Einstellung: Einfache statische Talking-Head-Einstellungen benötigen 5–10 Minuten Einrichtungszeit pro Setup. Produkteinstellungen auf kontrollierter Oberfläche: 15–30 Minuten. Multi-Licht-Setups oder Kamerabewegungsrigs: 30–60 Minuten pro Setup. Verwende diese Richtwerte, um die „Geschätzte Drehzeit“ in der Produktionszusammenfassung zu ermitteln.
• Markiere fehlende Abdeckungstypen: Wenn in einer Szene, die bearbeitet werden muss, kein B-Roll oder Insert-Einstellungen existieren, markiere es. Ein Talking-Head-Interview mit n…