aminghaseminia/motion-design

Motion Design — Direction Artistique et Savoir-Faire du Mouvement

Ce skill transforme les adjectifs en décisions observables. « Premium » n'est pas des dégradés dorés ; c'est la retenue, l'espacement, un contraste maîtrisé et un timing réfléchi. « Futuriste » n'est pas du néon aléatoire ; c'est une grille cohérente, un mouvement précis et une palette limitée.

Lisez references/MOTION-CRAFT.md pour les chiffres, les tableaux et les exemples concrets.

1. Commencez par une direction créative compacte

Écrivez ces sept lignes avant tout code de scène :

Sujet :        une phrase
Public :       qui et où ils regardent
Message :      la seule chose qu'ils doivent retenir
Ton :          3 adjectifs, chacun traduit en une décision visuelle
Palette :      4–6 valeurs hex avec leurs rôles
Typographie :  1–2 familles, graisses, échelle
Mouvement :    vitesse, caractère de l'easing, vocabulaire de transition

Si les adjectifs de ton ne peuvent pas être traduits en décisions, la direction n'est pas terminée. Exemple de traduction :

Adjectif	Décisions concrètes
Premium	Easing lent, tracking large sur les polices d'affichage, 1 couleur d'accent, grand espace négatif, lumière douce de clé, pas de rebond
Énergique	Entrées rapides (8–12 frames), 6–10 % de dépassement, coupe sur le temps, contraste élevé, accent saturé
Digne de confiance	Grille symétrique, palette de tons moyens, révélations lentes, caméra stable, langage simple, pas d'artifice
Technique	Accents en police à chasse fixe, lignes de repère, graduations de mesure, mouvement linéaire précis, neutres froids

2. Un seul système, puis des scènes

Définissez le système une fois et réutilisez-le :

• Grille : 12 colonnes, marge extérieure de 5–8 %. Les formats verticaux/sociaux nécessitent plus de marge car l'interface de la plateforme couvre les bords.
• Échelle typographique : par ex. 96/64/40/28/20 px en 1080p. N'inventez jamais une taille par scène.
• Espacement : unité de base de 8 px. L'espace communique le regroupement plus que les lignes ou les boîtes.
• Rôles de couleur : fond, surface, texte principal, texte atténué, accent, sémantique. Un seul accent, utilisé avec parcimonie.
• Langage des formes : rayon d'angle, épaisseur de trait, et si les éléments sont plats, biseautés ou éclairés.
• Langage du mouvement : style d'entrée, style de sortie, vocabulaire de transition, et si la caméra se déplace ou non.

Un style frame coûte moins cher que dix scènes terminées. Rendu une seule image qui représente l'ensemble de la pièce et faites-la bien du premier coup.

3. Règles de composition qui tiennent

• Un seul point focal par temps fort. Si deux choses sont également lumineuses, également grandes et également en mouvement, il n'y a pas de hiérarchie.
• Le contraste est relatif : si tout brille, rien ne brille.
• L'espace négatif est une fonctionnalité. Un cadre vide à 30 % respire la confiance.
• Alignez-vous sur quelque chose — une grille, un centre optique ou une diagonale délibérée. Un quasi-alignement ressemble à une erreur.
• Gardez le sujet en dehors des 5 % extérieurs sur les formats sociaux.
• Pour le texte sur une image, assurez une différence de luminance d'au moins ~4,5:1 pour le corps du texte ; ajoutez un voile plutôt qu'une ombre lourde.
• Indices de profondeur en 2D : échelle, flou, opacité, chevauchement, parallaxe. Utilisez-en un ou deux, pas les quatre.

4. Timing

La durée communique le poids. Points de départ approximatifs à 30 FPS :

Élément	Entrée	Sortie	Veille
Titre court (1–3 mots)	12–18 f	8–12 f	≥ 24 f
Titre long	18–24 f	12 f	≥ 45 f
Ligne de corps de texte	12–16 f	8 f	≥ 30 f
Révélation de logo	24–40 f	12 f	≥ 45 f
Graphique	30–45 f	10 f	≥ 60 f
Transition plein écran	10–18 f	—	—
Mouvement de caméra (3D)	45–90 f	—	—

Règles :

• Plus grande distance ou masse → plus longue durée.
• Les groupes bougent ensemble, puis décalent de 2 à 6 frames ; ne décalez pas tout du même montant.
• Laissez un temps de pause après une révélation importante.
• Si le spectateur doit le lire, il doit être à l'écran environ deux fois plus longtemps que vous ne le pensez.

5. Easing

Situation	Courbe
Arrivée et stabilisation	ease-out (cubic ou quart)
Départ	ease-in
Mouvement entre deux états de repos	ease-in-out
Mécanique / continu / boucle	linéaire
Snap physique	spring, damping 14–22, stiffness 90–180
Caméra	ease-in-out très doux, longue durée

Ne faites jamais l'easing de chaque propriété à l'identique. La position, l'opacité et la rotation peuvent partager une courbe ; l'échelle nécessite généralement un timing légèrement plus serré. Évitez le rebond sauf si la marque est ludique — il vieillit rapidement et nuit à la lisibilité.

6. Transitions

Constituez un vocabulaire de 3 à 4 transitions et réutilisez-les :

1. Cut — par défaut pour le rythme. Le moins coûteux et souvent le meilleur.
2. Crossfade — 6–12 frames, pour une continuité douce.
3. Mask wipe — directionnel, pour une relation spatiale.
4. Scale-through — zoom sur un élément, pour un changement de chapitre.
5. Match cut — continuité de forme ou de mouvement, la plus satisfaisante et la plus difficile.

À éviter : zoom-flou par défaut sur tout, star wipes, et transitions qui contredisent la direction de déplacement de l'histoire.

7. Couleur

• Commencez par une dominante, une accentuation et des neutres. Ajoutez une seconde accentuation uniquement si elle porte un sens.
• Vérifiez le contraste à la taille finale, pas sur un grand écran.
• Maîtrisez la saturation : les couleurs très saturées sur de grandes surfaces fatiguent l'œil.
• Les fonds sombres nécessitent des accents légèrement désaturés et des détails d'ombre rehaussés ; le noir pur avec du texte blanc pur est agressif.
• Utilisez la couleur pour encoder le sens de manière cohérente (une couleur pour « avant », une autre pour « après »), pas de manière décorative.
• Vérifiez la couleur entre les outils : navigateur (sRGB), Blender (transform view) et encodeur. Un composite délavé indique généralement des transform views incompatibles, pas une mauvaise palette.

8. Typographie

• Maximum deux familles : une d'affichage, une de texte (ou une famille avec plusieurs graisses).
• Tracking d'affichage : serré pour les grands sans empattement (-1 % à -3 %), large pour les courtes étiquettes en capitales (+8 % à +20 %).
• Hauteur de ligne du corps : 1,35–1,6. Hauteur de ligne d'affichage : 1,0–1,2.
• Longueur de ligne : 45–75 caractères. Les titres peuvent être plus courts.
• Évitez les orphelins et les lignes de fin d'un seul mot ; réécrivez le texte si nécessaire.
• Nombres : chiffres tabulaires pour les compteurs et les tableaux.
• N'étirez ni ne condenssez jamais une police pour l'adapter ; modifiez la mise en page ou la taille.

De droite à gauche (persan, arabe, hébreu)

• Définissez la direction au niveau du conteneur et utilisez une police capable de façonnage (ex. Vazirmatn, IBM Plex Sans Arabic, Noto Naskh Arabic).
• Testez le façonnage, la liaison, les diacritiques et la ponctuation dans un cadre rendu, pas dans le code.
• Contenu mixte : conservez les noms de marque/URL latins dans leurs propres spans avec dir="ltr", sinon l'algorithme bidi réorganisera la ponctuation.
• Chiffres persans vs chiffres latins : choisissez un seul système pour l'ensemble de la pièce.
• La hauteur de ligne nécessite plus d'espace que le latin pour la même taille optique.
• N'espacez pas les lettres des écritures arabes — cela brise la liaison cursive.

9. Son

• Décidez du rôle du son avant de choisir les pistes : rythmeur, fond émotionnel, information (voix), ou ponctuation (SFX).
• Séparez les stems : voix, musique, ambiance, effets ponctuels. Baissez la musique de 6 à 10 dB sous la voix.
• Accentuez l'événement visuel, pas le début du clip.
• Fondu sur chaque coupe ; un début ou une fin brutale fait clic.
• Laissez de la marge (-1 dBTP), évitez l'écrêtage, vérifiez la compatibilité mono pour les haut-parleurs de téléphone.
• Le silence est un outil. Couper la musique pendant un temps avant une révélation est plus fort que d'ajouter un riser. "> Licencez chaque piste et enregistrez la source. Ne supposez jamais que « téléchargement gratuit » signifie que l'utilisation commerciale est autorisée.

10. Accessibilité et adaptation à la plateforme

• Sous-titres pour tout contenu parlé ; le texte à l'écran aide également à la visualisation en silence, majoritaire sur les réseaux sociaux.
• N'encodez pas le sens uniquement par la couleur.
• Évitez les flashs au-dessus de 3 Hz ; pas de stroboscopie.
• Gardez le texte essentiel dans les zones de sécurité, à une taille lisible sur un téléphone.
• Vérifiez les exigences actuelles de la plateforme en matière de durée, format, codec et débit avant la livraison.

11. Méthode de révision

Regardez la pièce trois fois :

1. En silence, à 50 % de la taille — la hiérarchie se lit-elle ? Quelque chose est-il coupé ?
2. Pleine taille avec le son — le rythme fonctionne-t-il ? L'audio est-il en conflit avec l'image ?
3. Image par image aux limites — flashs, trous, sauts, images illisibles.

Puis posez les trois questions :

• Quelle est la seule chose dont le spectateur se souvient ?
• Où va l'attention en premier, et est-ce intentionnel ?
• Que peut-on supprimer sans perdre le message ?

La suppression est généralement la révision la plus utile.

12. Livrable pour la phase de conception

• brief.md — sujet, public, message, contraintes, hypothèses.
• style-guide.md — palette avec rôles et hex, échelle typographique, espacement, langage du mouvement.
• storyboard.md — une ligne/bloc par scène : temps, objectif, composition, texte, mouvement, transition, son, outil.
• 1–3 style frames — la cible visuelle, approuvée avant la production de masse.