Conception de séquences de génération vidéo IA et de réalisation
Dans ce workflow, une séquence de génération correspond à une tâche de génération IA, qui peut contenir plusieurs plans caméra. Organisez les segments de génération autour de changements dramatiques complets et d'actions lisibles, en privilégiant d'abord le rythme et l'effet, puis en considérant les coûts et la portée des refontes. Les détails spécifiques du script, des personnages, de l'épisode, du format d'image et du budget actuel sont laissés dans le projet et ne servent pas de modèle global fixe.
Déterminer d'abord les limites de génération
Lors d'une révision complète, retirez temporairement les numéros de segments existants, reconstruisez la chaîne d'événements "déclencheur – objectif – choix/résistance – action – conséquence" à partir du script actuel, puis jugez des limites de génération. Le nombre de segments existants, l'ancien budget, ou le nombre de coupes ne sont pas des raisons de conserver les limites. Lorsque des tours consécutifs sont fragmentés, évaluez s'il faut les fusionner ; si la fusion compromet le jeu d'acteur, les processus clés, la capacité de référence ou la stabilité d'une seule génération, conservez ou divisez à nouveau, en justifiant chaque décision, sans imposer un objectif de compression du nombre de segments.
- Fusionnez modérément les attaques, passes, choix et réactions d'une même scène ; ne créez pas de tâche pour chaque réplique, gros plan ou changement de plan caméra. Ne générez pas à travers les épisodes, même pour les enchaînements dans une même scène, séparez-les aux limites d'épisode.
- Par défaut, utilisez la durée intelligente native du modèle cible ; Seedance 2.5 utilise
duration: -1, les paramètres spécifiques sont basés sur les capacités officielles et intégrées. Lorsque l'utilisateur demande explicitement une longueur fixe, conservez la sélection manuelle. Les secondes de storyboard servent uniquement à l'estimation de capacité et de budget, ne les transmettez pas comme durée totale, et ne fusionnez pas de force pour atteindre une limite maximale ; si le modèle ne supporte pas la durée intelligente, expliquez les limites réelles. - Les effets décisifs difficiles à contrôler peuvent être refaits indépendamment, mais conservez l'effort, le changement et les répercussions. Lors de l'ajout d'un nouveau lieu, sujet ou agencement, déterminez si une seule première image peut soutenir ce changement.
- Par défaut, conservez les dialogues originaux, le locuteur, le ton et la causalité ; lorsque l'utilisateur autorise la révision du script, corrigez d'abord les faits narratifs irrationnels, l'ordre des informations et les dialogues, puis dérivez le storyboard à partir de la source actuelle ; ne faites pas de "conserver le texte original" une raison pour ne pas corriger les lacunes du script. Laissez du temps pour la vocalisation, le changement de personne, la prise d'objet et la réaction, sans supprimer de mots ou accélérer pour remplir la durée.
Contraintes d'écriture et de capacité
Lors de la rédaction ou de la révision du contenu, lisez Exemples de photographie, d'action et de livraison. Expliquez séquence par séquence le point de départ gelé, le processus de photographie et d'action, les réactions des personnages, et le point final net ; pour les transitions de caméra, motivez le changement, montrez ce qui est vu après la transition, et la continuité spatiale. Les grandes scènes sont établies par l'espace, la mise en scène, les matériaux et la force, non par l'accumulation d'adjectifs "cinématographiques" ou de tours de caméra sans motivation.
Lors d'une révision complète de l'épisode, d'une performance insuffisante des personnages, d'une ambiguïté d'action ou d'un réarrangement des séquences, lisez Répétition, performance et re-segmentation. Écrivez selon les critères de ce qui peut être répété lors d'un vrai tournage, couvert par la photographie, et reconnu par le public ; pour des résultats extraordinaires comme les arts martiaux, conservez les paramètres de genre, mais le geste, le contact, la force et les répercussions doivent rester continus. Lorsque l'utilisateur autorise la modification du script, synchronisez la correction des instructions d'action et de performance ; le script de photographie exécutif et les faits narratifs / dialogues sont en couches, ne modifiez pas seulement les prompts tout en laissant un script contradictoire.
Lors de l'affinage des prompts, lisez d'abord Points clés de l'image et affinage du texte : décidez d'abord sur qui le public regarde à ce moment, quel changement il voit, puis choisissez les détails de photographie et d'action. La justesse logique n'est qu'une base ; vérifiez aussi si l'intention du personnage et les relations sont visibles ; ne remplacez pas le jugement du réalisateur par un ratio de suppression de mots ou un nombre fixe de plans.
Lorsque vous rencontrez trop d'explications psychologiques, de contraintes redondantes ou d'actions normales trop détaillées, exécutez Atterrissage de la performance et déduplication finale de la soumission. Conservez le ton spécifié et les passes nécessaires ; ne transformez pas tout l'épisode en un modèle uniforme de micro-expressions ; vérifiez le texte compilé réel, pas seulement la boîte d'édition.
Pour les longs dialogues, révélations d'identité, confirmation de preuves et choix multiples, vérifiez selon Répartition des plans pour longs dialogues et virages relationnels. Déterminez les points de coupe en fonction des changements d'information, distinguez le contact complet, l'énonciation continue et les scènes nécessitant un transfert de l'objet d'observation ; ne considérez pas automatiquement une caméra fixe ou une longue réplique comme un problème.
Pour organiser plan par plan, utilisez Structure de paragraphe naturelle avec photographie en premier : chaque plan commence par la taille du plan, l'angle de la caméra, le mode fixe ou mobile, puis déploie l'action, le regard, l'émotion et le dialogue. Les informations de photographie ne doivent pas être cachées dans de longues phrases d'opération, ni simplement ajouter un préfixe générique à un ancien texte ; déplacez la mise en scène photographique existante à la bonne position et vérifiez que l'action n'est ni répétée ni omise après le réarrangement.
Lors de la simplification d'une scène ou d'une ouverture, exécutez Répartition des tâches entre la description de scène, la première image et le texte du plan : la description de scène dans le texte ne liste que le moment et le lieu, entrez directement dans le plan 1 ; les compositions statiques sont réservées au plan de la première image, les prérequis d'action sont placés dans les plans concernés, ne supposez pas que les images non encore créées fournissent déjà ces informations.
Lorsqu'une première image est déjà sélectionnée, affinez selon Texte d'action après la première image sélectionnée : enchaînez directement sur l'image réelle pour décrire le mouvement et la performance, ne répétez pas toute l'image ; les termes de posture de saisie ne remplacent pas la direction et la trajectoire, ne conservez que les contraintes nécessaires pour la continuité.
Pour la conclusion de la révision et de la modification de tout l'épisode, exécutez Vérification croisée des dialogues, des images et des champs : vérifiez la promesse contre l'opération réelle, l'occlusion contre la source sonore, le déplacement contre l'accessibilité, la main libre contre la destination des accessoires, l'appartenance des membres contre la responsabilité de contrôle, la taille du plan contre la couverture des preuves, et si les notes marginales contiennent des événements obsolètes. Pour les scènes où plusieurs personnes contrôlent un poignet, aident à monter, menottent ou appliquent une force mécanique, vérifiez séparément "quelle main de qui contrôle quelle partie de qui" et si ces points de contact nécessaires sont vraiment visibles dans la taille de plan choisie ; des contre-exemples et des méthodes de réécriture se trouvent dans cette section. Lors de l'utilisation de références de personnage, vérifiez, selon le skill de prompt cible, les différentes responsabilités de la visibilité à l'ouverture, de la visibilité dans les plans suivants, de la vocalisation hors champ et de la simple mention.
Pour le dépannage complet de l'épisode concernant l'appartenance des membres et les problèmes de taille de plan, exécutez Spécial appartenance des membres et cadrage dynamique : du sujet de l'action, du transfert de contrôle, de la vérification de l'accessibilité corporelle, au cadrage continu et à la continuité avec la première image ; choisissez un cadrage large, un mouvement de caméra suivant l'action ou un plan rapproché en fonction des besoins de preuve, ne modifiez pas seulement les pronoms et les noms de taille de plan.
Par défaut, le travail utilise l'échantillon 480P de Seedance 2.5, durée intelligente 4–30 secondes ; la mise à niveau nécessite une demande explicite et une confirmation de l'utilisateur à chaque fois. Lors de l'utilisation de Seedance, combinez le sd25-pe officiel avec le seedance-2-5-prompt personnalisé ; pour les séries courtes, référencez également short-drama-storyboard et short-drama-video-prompts. Conservez le texte original de tiers ; ce skill définit l'organisation des segments de génération et le jugement de réalisation, ne remplace pas leur matériel, texte ou règles de modèle. Dans d'autres environnements dépourvus de ces compétences, exécutez toujours la méthode de ce document, et vérifiez les directives officielles du fournisseur actuel, sans prétendre les avoir lues.
Lisez les capacités actuellement intégrées du projet, puis choisissez le mode de génération texte-vers-vidéo, première image, référence, édition ou prolongation. Une seule première image ancre seulement l'ouverture ; les transitions internes reposent sur le texte et l'état précédent, ne supposez pas que chaque transition a une image clé. Les pièces jointes pour la création de la première image sont triées par besoin d'identité, de vêtements, d'espace et d'accessoires clés à l'ouverture ; privilégiez les images réelles correspondant à l'état d'ouverture, évitez les dommages prématurés, les ouvertures de vannes, les livraisons ou les décharges d'armure. Les premières images non créées sont clairement marquées comme prévues ; n'utilisez pas directement un tableau de conception comme première image de l'intrigue, et n'interprétez pas les multiples références d'images de création de première image comme signifiant que la vidéo supporte déjà plusieurs références.
Réduire les temps morts sans information
En cas de conflit entre action et état, exécutez Phase d'effet des contraintes d'état : vérifiez séparément les faits d'ouverture, les faits constants de tout le segment, les contraintes de phase et l'état final ; replacez les conditions comme "après avoir saisi", "après avoir déchargé", "après avoir stabilisé" dans l'action, et laissez l'état final dans le dernier plan ou l'enregistrement de création. Ne vous contentez pas de renommer "maintenir", et ne laissez pas la composition de la première image limiter les transitions suivantes. Vérifiez par paire la fin du segment précédent et le début du suivant, pour éviter les doubles passes, les passages de porte et les déclenchements de mécanismes.
Laissez chaque segment photographique porter l'avancement de l'action, du dialogue, de la preuve ou du choix du personnage. Lorsque le résultat est discernable, enchaînez le prochain temps ; lorsque la causalité le permet, faites en sorte que la préparation de l'action, la vocalisation et la réaction soient encadrées ensemble dans le même plan, évitez de faire peser une phrase complète plus une marge supplémentaire sur un auditeur immobile. Ne remplissez pas le temps avec un suffixe uniforme "compact/pas de pause", des micro-mouvements aléatoires, des tours de caméra ou des plans vides répétés.
Conservez les pauses émotionnelles pour le soutien de charge, la stabilisation, le lâcher et les véritables changements de choix. Si le texte original mentionne déjà un temps d'événement clair comme "une demi-seconde", conservez-le ; la durée intelligente par défaut ne signifie pas les supprimer. La durée intelligente ne garantit pas non plus qu'elle sera plus courte ; l'effet doit être vérifié par la sortie réelle ; n'inventez pas un taux de réussite général à partir d'un seul échantillon. Le nouveau texte optimisé et l'entrée gelée de la tâche originale sont enregistrés séparément, ne réécrivez pas la tâche originale.
Son, timbre et sous-titres
Lorsque le créateur demande une livraison sonore complète, utilisez l'audio réel lié au locuteur réel de ce segment, figez le rôle, le timbre et la responsabilité audio ; en cas d'absence ou d'impossibilité de lecture, expliquez clairement, n'usurpez pas la voix d'un autre. La référence de timbre ne contrôle que les caractéristiques vocales du personnage correspondant ; écouter la phrase originale ne remplace pas le dialogue de l'intrigue ; la sortie du modèle doit encore être vérifiée pour la langue, la sensation d'âge, le ton et le mouvement des lèvres.
Respectez les contraintes d'exclusion mutuelle de mode du fournisseur réel. La première image stricte et la référence audio de Seedance 2.5 ne peuvent pas être mélangées ; lors de l'utilisation d'une référence conjointe image + audio, l'image d'ouverture ne promet pas un verrouillage pixel par pixel, la livraison doit indiquer la route réelle. Les paramètres et le matériel ne sont déclarés comme utilisés qu'après avoir été réellement transmis.
Les sous-titres font partie de la post-production, pas des paramètres de génération audio. Lorsque l'utilisateur choisit un montage externe ou une post-production sous-traitée, n'ajoutez pas de commutateur de sous-titres, de configuration de tâche ou de processus de reconnaissance / incrustation automatique ; conservez uniquement le brouillon des dialogues originaux, du locuteur, de la source et de la correspondance des plans ; sans piste audio réelle, n'inventez pas de codes temporels. Selon les exigences du projet, contraignez le modèle à ne pas générer de sous-titres hors champ dans le texte, sans pour autant supprimer les dialogues, désactiver le son natif ou interdire les textes nécessaires dans l'intrigue.
Lorsque vous êtes chargé de créer des sous-titres séparément, créez-les en fonction du temps de reconnaissance / synchronisation de la voix réelle, ne les divisez pas en fonction du nombre de mots ou du budget de storyboard ; vérifiez le texte original, le locuteur, les mots manquants / incorrects et le temps de fin de phrase. Les zones silencieuses ne doivent pas être remplies de dialogues non prononcés. Conservez la vidéo native ; en cas d'échec de la reconnaissance / incrustation, corrigez les sous-titres en fonction de la piste audio réelle et des débuts et fins réels, en indiquant la source de la correction ; si le modèle a en fait prononcé plus de répliques, marquez-les honnêtement comme une déviation créative, ne modifiez pas le script pour le cacher, et ne considérez pas la réussite de la reconnaissance ou de la correction comme une preuve de la qualité du produit final. Faites uniquement la post-production, ne créez pas automatiquement de nouvelles vidéos payantes. Les sous-titres précis sont prioritaires en post-production, évitez d'utiliser un texte généré par le modèle comme sous-titres vérifiés par relecture.
Sortie, coût et révision
Livrez séparément : Informations de production (source, numéro d'épisode, durée, justification des limites, état de début et de fin, risques, pièces jointes et budget) et Texte soumetable (image réelle, action, performance et photographie). La résolution, le format d'image, la durée totale, le modèle, le commutateur audio, les frais et les notes de post-production sont placés uniquement dans les paramètres / remarques ; utilisez des paragraphes séquentiels si aucune chronologie numérique n'est demandée. Conservez les plages horaires d'événements précis existantes, mais ne promettez pas un contrôle au niveau de l'image.
Terminez d'abord les prompts révisables ; lorsque le produit ne peut pas les supporter, complétez ensuite l'affichage, les pièces jointes et la capacité de persistance, puis synchronisez les données selon l'autorisation et lisez-les en retour pour vérification. Une simple organisation de projet ne constitue pas une autorisation de génération d'images, de vidéos ou de doublage supplémentaires ; avant chaque nouvelle création ou refonte vidéo, montrez le fragment, l'entrée de cette tentative et le coût, et attendez une confirmation explicite ; les autorisations historiques ou groupées ne couvrent pas les appels ultérieurs. Le son et l'écriture précise sont listés comme des livraisons séparées en fonction des capacités actuelles ; les médias non générés ou non vérifiés sont marqués honnêtement.
Utilisez la tarification officielle actuelle pour le budget, indiquez la date de vérification, le mode, les spécifications de sortie, les secondes / tokens de sortie prévus, les frais de première image et d'image de référence, et calculez séparément la sortie réussie et le risque de refonte. Lorsque la facturation est basée sur la quantité de sortie, une diminution du nombre de tâches ne signifie pas une économie proportionnelle ; conservez le rythme nécessaire, limitez les refontes globales des longs segments à haut risque. Distinguez les sorties réussies mais insatisfaisantes des échecs techniques selon les règles de facturation réelles, n'appelez pas la re-génération un "essai gratuit".
Révision : ne traversez pas les épisodes ; dialogues et ton complets ; longueur de segment performable ; contact avant résultat ; responsabilité main gauche / main droite, appartenance des accessoires, contorsion et continuité des vêtements ; pièces jointes réelles et conformes à l'ouverture ; paramètres et texte séparés. Regardez entièrement après la génération, puis jugez le rythme et la qualité ; ne remplacez pas la vérification du produit final par un test d'ingénierie ou une lecture de fichier.
Pour les épées, outils, fentes de porte et directions de roue, exécutez Contraintes de phase de direction de lame et de direction de contact : utilisez la gauche / droite du public uniquement pour les angles de vue fixes, après une transition, utilisez des références physiques ; clarifiez la surface de contact, le support et la phase d'effet ; les virages nécessaires doivent avoir lieu après la fin du contact. N'utilisez pas une interdiction de rotation pendant tout le segment pour couvrir des actions normales ou des rebonds mécaniques.
Lors de la vérification conjointe de la position de la caméra, des dépendances de la première image, des personnages secondaires et du son, exécutez État initial minimal et plans lisibles : vérifiez d'abord les faits avec des exemples ; intégrez l'état initial nécessaire dans l'action, distinguez le sujet des objets statiques déjà établis dans la zone de prise de vue ; les transitions n'enregistrent que l'état clé, séparez les responsabilités du timbre et de la performance.