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Vidéos explicatives animées

Appliquez ces règles lorsque vous planifiez, écrivez, animez ou révisez une vidéo. Les règles d'histoire passent en premier : une belle vidéo avec un script plat échoue encore.

Création de la vidéo

Lorsque l'utilisateur souhaite un fichier vidéo réel, construisez-le avec Remotion (et Three.js pour la 3D) à partir du modèle présent dans cette compétence.

1. L'histoire d'abord. Écrivez le script sous forme de battements (une idée par battement) en utilisant les règles d'histoire ci-dessous. Vérifiez la première phrase et les premières secondes avant toute autre chose.
2. Projet. Copiez template/ dans un nouveau dossier, exécutez npm install. Lisez reference/remotion.md avant d'écrire du code, et reference/threejs.md avant toute scène 3D.
3. Voix. Si l'utilisateur fournit une voix off (son propre enregistrement ou tout fichier de synthèse vocale), placez-la dans public/ et définissez "voice" dans public/plan.json. Sinon, placez chaque ligne dans le "text" de sa scène et exécutez npm run voice (voix gratuite Kokoro, anglais) : cela écrit public/voice.wav et définit le début et la fin de chaque scène. Choisissez une voix avec node scripts/voice.mjs am_michael (homme) ou la valeur par défaut af_heart (femme).
4. Temporisation. Exécutez npm run captions pour les horodatages des mots. Avec votre propre fichier audio, commencez chaque scène au premier mot de la ligne qu'elle affiche ; avec npm run voice, c'est déjà fait.
5. Scènes. Écrivez un composant par scène dans src/scenes/, enregistrez-le, et listez les scènes dans plan.json. Chaque ligne parlée a son propre visuel.
6. Vérification. Rendez des images fixes (npx remotion still Main out/still.png --frame=N) au début, au milieu et à la fin de chaque scène, examinez-les et corrigez tout ce qui enfreint les règles ci-dessous.
7. Rendu. npm run render écrit out/video.mp4. Regardez à nouveau les 3 premières secondes avant de déclarer la vidéo terminée.

Prérequis : Node.js 18+ et ffmpeg. Remotion télécharge son propre Chrome sans tête lors du premier rendu.

Histoire

1. Chaque vidéo est une petite histoire : un personnage veut quelque chose, quelque chose le bloque, un rebondissement se produit, il y a une récompense. Une liste de faits n'est pas une histoire.
2. La première phrase est une affirmation audacieuse, une contradiction de quelque chose que les gens croient, ou un personnage avec un problème.
   • Bon : "Quelque chose dans votre cuisine vous tue." / "J'ai toujours pensé que les ordinateurs étaient meilleurs en maths que les humains." / "Voici l'oncle Don, et il a un énorme problème."
   • Mauvais : "Comment fonctionne X ?" / "Voici 3 outils qui..." / "Aujourd'hui, nous allons voir...". Si la vidéo répond à une question "comment", déplacez cette question à la deuxième phrase.
3. Ouvrez une question ou une tension dans les 3 premières secondes et gardez la réponse pour plus tard. Ne divulguez pas le rebondissement dans l'accroche.
4. Choisissez des sujets larges ou d'actualité. Un sujet de niche nécessite un angle quotidien que tout le monde peut ressentir.
5. Une accroche forte ne sauve pas un sujet faible. Décidez d'abord du sujet, puis écrivez l'accroche.
6. Chaque vidéo se suffit à elle-même. Pas de "Partie 2", pas d'accroches qui poursuivent une vidéo précédente, pas de listes d'utilité générique.
7. Montrez, ne dites pas : chaque ligne parlée a son propre visuel. Si la vidéo a du sens sans le son, les scènes fonctionnent.
8. Une idée par scène. Si une ligne contient deux idées, divisez-la en deux scènes.
9. Escalade : chaque battement augmente les enjeux ou la surprise un peu plus que le précédent.
10. Terminez sur une ligne que le spectateur peut répéter ou utiliser (une question à poser, une règle d'or), pas sur un résumé.
11. La longueur est un choix libre : utilisez la durée dont l'histoire a besoin. Dans les vidéos longues, offrez une petite récompense au moins toutes les 60 à 90 secondes.

Cadrage (vertical 1080x1920 sauf indication contraire)

1. Gardez le sujet principal dans la bande supérieure-moyenne, environ y = 500-1100.
2. Les ~20 % inférieurs (y > 1500) se trouvent sous l'interface utilisateur de la plateforme : aucun visuel clé là-bas. Placez les sous-titres juste au-dessus.
3. Gardez environ 60 px de marges sur les côtés. Gardez le bord droit (x > 960, y 900-1700) libre d'informations clés, car les boutons "j'aime" et "commenter" s'y trouvent.
4. Le cadrage centré fonctionne généralement le mieux dans une vidéo verticale. Utilisez des tiers pour les scènes avec deux sujets.
5. Un élément dominant par image. Tout le reste est plus petit, plus sombre ou moins saturé.
6. Le visage d'un personnage doit représenter au moins ~15 % de la largeur de l'image dans les moments clés.

Premières secondes

1. Commencez à parler à l'image 0. Pas d'introduction silencieuse, pas de logo.
2. Quelque chose change visiblement dans les 1 à 2 premières secondes : un nouvel objet, un mouvement, une transformation. Pas de carte titre statique.
3. Un grand texte dans la première image est facultatif. Si vous l'utilisez, il énonce l'affirmation ; ce n'est pas une décoration.
4. Un visage dans la première image est facultatif. Un personnage fort ou une image fonctionne tout aussi bien.

Caméra (2D et 3D)

1. Chaque mouvement de caméra a un motif : il suit un personnage, révèle des informations ou ajoute de l'emphase. Pas de mouvement décoratif.
2. Ne bougez jamais linéairement : faites toujours des accélérations et des décélérations.
3. Révélation = zoom avant lent (échelle 1,0 à 1,1-1,25 sur 1 à 3 s). Choc = zoom avant rapide (0,15-0,25 s) avec une petite secousse.
4. Nouvel emplacement : plan large d'abord, puis plus serré.
5. Angle bas = pouvoir ou menace, angle haut = petit ou impuissant, niveau des yeux = neutre.
6. Si deux personnages se font face, maintenez chacun de son propre côté pendant toute la scène.
7. En 3D : champ de vision de 35 à 50 degrés, profondeur grâce aux plans avant, moyen et arrière. Déplacez la caméra (dolly) plutôt que de changer le champ de vision (zoom).
8. Dans les scènes de dessin animé 3D, utilisez un mappage de tons linéaire et une légère augmentation de la saturation ; le mappage de tons filmique délavera les couleurs du dessin animé.

Montage et rythme

1. Après l'ouverture, le rythme suit le style. Un premier moment rapide compte plus qu'une vidéo rapide entière.
2. Trace oculaire : le point d'intérêt d'un nouveau plan commence là où il se trouvait dans le plan précédent.
3. Cuts d'appariement : une forme ou une couleur de la fin d'une scène devient le début de la suivante.
4. Après une blague ou une chute, marquez une pause de 0,3 à 0,6 s avant de couper.
5. Ralentissez avant le moment clé, accélérez après.
6. Coupez sur l'action : changez de plan au milieu d'un mouvement, pas après qu'il s'arrête.
7. Pas de flashs blancs ou de transitions stroboscopiques. Utilisez des whip pans, des cuts d'appariement et des balayages.

Animation des personnages

1. Squash et étirement sur chaque impact et saut (échelle 0,8-1,25, volume à peu près conservé).
2. Anticipation : un petit mouvement dans la direction opposée avant un grand mouvement (0,1-0,2 s).
3. Suivi : les cheveux, les antennes et les bras continuent de bouger et se stabilisent après que le corps s'arrête.
4. Les membres et les objets lancés se déplacent sur des arcs, jamais sur des lignes droites.
5. Les clignements d'yeux, la respiration et le balancement au repos ne s'arrêtent jamais, même pendant l'attente d'une scène.
6. Le timing vend le poids : les objets lourds bougent lentement et atterrissent fort, les objets légers bougent vite.
7. Exagérez les émotions : yeux immenses, formes de bouche grandes, une goutte de sueur volante.
8. Une silhouette claire par pose. Si la pose ne se lit pas comme une forme noire, changez-la.

Texte et sous-titres

1. Sous-titres : 2 à 5 mots par segment, synchronisés avec la voix, apparaissant en fondu, contraste élevé (blanc avec un contour sombre).
2. Grands mots cinétiques uniquement aux moments d'impact, et un seul groupe de grands mots à l'écran à la fois.
3. Les chiffres à l'écran correspondent exactement à la narration et à la source.

Voix

1. Phrases courtes, rythme parlé, contractions ("c'est", "n'a pas").
2. Environ 170 à 200 mots par minute.
3. 0,2 à 0,4 s de silence entre les battements, 0,6 à 1,0 s avant la dernière ligne.

Honnêteté

1. Chaque chiffre à l'écran a une source réelle et lui correspond.
2. Ne mettez jamais de déclarations à la première personne dans la narration que le créateur n'a pas réellement faites.
3. Les titres parodiques utilisent des noms clairement inventés, jamais d'imitations de médias réels.