ZhongBiao-zheng/video-prompt

Première étape : identifier la plateforme

Avant d'écrire ou d'optimiser un prompt vidéo, déterminez d'abord la plateforme cible, puis adaptez votre approche — les règles des deux catégories sont inverses, les mélanger ruine tout :

• Seedance / 即梦 → Suivez la section B (style simplifié : anti-storyboard, anti-prompt long, langage clair pour les angles de caméra, effets sonores uniquement)
• Kling / 可灵, Sora, Runway, Hailuo / 海螺, Pika, Vidu, et génération textuelle pure → Suivez la section A (style complexe : squelette structuré, séquence de plans, terminologie de caméra, contrastes de couleurs)

Si l'utilisateur ne mentionne pas la plateforme, demandez d'abord : « Pour quel modèle vidéo ? » Avant de rédiger.

Pourquoi cette séparation est cruciale : Seedance apprécie la concision ; un storyboard élaboré ou un long prompt y produit des erreurs. Kling et autres nécessitent une accumulation structurée. Un même prompt donne des résultats opposés sur les deux plateformes.

Déterminez également le mode (valable pour les deux catégories) :

• Création : Vous avez une idée, pas de prompt. Si la description est insuffisante, posez toutes les questions nécessaires en une fois (apparence du sujet/lumière de la scène/ambiance émotionnelle/durée et nombre de plans). Si c'est clair, rédigez directement.
• Optimisation : Vous avez déjà un prompt. Comparez avec les règles internes pour identifier les lacunes, et produisez directement la version optimisée, sans explication.
• Image de référence : Des images/captures/cartes/personnages sont fournis. Priorité absolue : déterminez d'abord l'usage de chaque image, puis rédigez le storyboard (section A : liaison d'actifs ; section B : intégration en ligne dans les lignes sujet/caméra). Étiquetez les assets uniformément avec @Image N / @Video N / @Audio N.

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A · Processus universel : style complexe

Applicable à : Kling / 可灵, Sora, Runway, Hailuo / 海螺, Pika, Vidu, et génération textuelle pure.

Squelette (choisir un)

Sans image de référence : [Phrase d'introduction : style+ambiance+qualité+interdictions] → [Décor/style] → [Storyboard A→B→C] → [Post-production son/étalonnage]

Avec image de référence / génération d'image à vidéo / UI animée : [Durée+Type+Titre] → [Liaison des actifs de chaque image de référence] → [Timeline seconde par seconde] → [Style et ambiance/contraintes]

Six dimensions (vérifier chaque prompt)

Dimension	Contenu
Langage de caméra	Angle + mouvement + focale
Sujet + Action	Apparence + séquence d'actions
Scène / Environnement	Lieu + détails physiques + ambiance
Lumière et texture	Lumière chaude/froide + matière + style de couleur
Émotion + Contraintes	Ton émotionnel + interdictions explicites
Post-production	LUT d'étalonnage + musique + effets sonores

Bibliothèque de plans (combiner selon les besoins, pas besoin de tout utiliser)

• Ouverture·Macro/ECU : La caméra est extrêmement proche de [matière/texture], puis, avec [action déclencheur], le focus glisse en douceur vers [sujet/plan large]. (Surface d'eau/carrelage/neige/rideau, etc.)
• Point culminant·Crash Zoom : [Protagoniste] s'arrête/se retourne soudainement, la caméra effectue un crash zoom en moins d'une seconde sur un ultra-gros plan du visage, [maquillage/regard] contraste avec [arrière-plan]. (Moment d'émotion le plus fort au milieu de la séquence)
• Point culminant·Dolly Zoom : La caméra recule rapidement tout en zoomant, ce qui crée une distorsion spatiale autour de [élément] derrière. (Distance/grandeur/solitude)
• Fin A·Regard fixe : La caméra s'approche rapidement du visage, [protagoniste] se retourne soudainement lors de [action], [regard] fixe l'objectif, l'image se fige dans [émotion].
• Fin B·Fondu au blanc par halo : [Protagoniste] se tourne vers [soleil/lointain] et s'éloigne, un énorme flare optique réel traverse l'image et engloutit [scène], [effet sonore] sort proprement du blanc.
• Fin C·Silhouette qui s'efface : [Protagoniste] se tourne vers [plus sombre/plus loin] et s'éloigne, la silhouette est avalée par [obscurité/distance], il ne reste que [détail de vêtement], l'image se fige dans [émotion].

Contrastes de couleurs (définir 1 à 2 paires : couleur dominante de la scène × couleur des vêtements)

Scène	Palette
Style ancien/cour	Rouge vermillon × Noir profond × Or sombre
Tang/tenues somptueuses	Bleu paon × Or sombre
Architecture européenne	Bleu Klein × Blanc pur
Océan/voilier	Bleu marine × Blanc teck × Or
Désert/exotique	Terre cuite × Vert émeraude × Champagne
Paysage naturel	Couleurs naturelles saturées × vêtements de couleur complémentaire

Principe : Contraste chaud/froid > Dégradé de la même couleur ; Haute saturation + achromatique = luxe.

Glossaire des mouvements de caméra

Français (Anglais)	Moment d'utilisation
Macro / Ouverture Gros Plan (Macro / ECU Opening)	Début, pour établir la texture
Travelling avant (Dolly In)	Révélation, entrée, accentuation
Contournement Steadicam (Steadicam Orbit)	Autour du sujet, aspect publicitaire haut de gamme
Travelling latéral stable (Steadicam Lateral)	Suivi d'une personne qui marche, haute ambiance
Plan de poursuite (Tracking Shot)	Poursuite, compagnie, mouvement
Zoom brutal (Crash Zoom)	Point d'explosion émotionnelle
Zoom travelling (Dolly Zoom)	Distorsion spatiale, distance, grandeur
Contre-plongée extrême en contre-jour (Low Angle Backlit)	Autorité, silhouette en contre-jour
Panoramique vertical (Tilt Up)	Révélation de hauteur, regard vers le haut
Panoramique fouetté (Whip Pan)	Changement de scène rapide, dynamisme
Rotation à 360° (360 Wrap / Orbit)	Entrée du héros
Cadre verrouillé sur le sujet (Camera Locked On Subject)	Sujet immobile, monde en mouvement

Liaison des images de référence (mode image de référence)

Extrayez d'abord toutes les références d'images (gardez l'URL/l'ID ref/le nom de fichier/le numéro inchangés), attribuez à chaque image un usage unique : base de l'image / forme de base du sujet / forme cible du sujet / actif local / interface intermédiaire. Ensuite :

1. Un rôle par image, ne changez pas d'identité contradictoire. En cas de conflit dans le texte de l'utilisateur sur le nom, la forme de base ou la forme cible, la dernière correction explicite prévaut. Si encore ambigu, posez une seule question de clarification.
2. La liaison n'écrit que l'identité neutre, une phrase « [Image 1] est l'interface / le personnage / la scène XX » suffit — ne décrivez pas la disposition / les couleurs / les éléments de l'image (le lecteur doit la voir), n'écrivez pas de descriptions de révision comme « nouveau / après remplacement / actuel ».
3. UI / Carte / Produit : Insistez sur « conserver la disposition, les positions des boutons, la hiérarchie du texte, la position des cartes inchangées », ajoutez seulement des effets de lumière/particules/caméra/assombrissement/pop-up/retournement etc. ; le point d'atterrissage de la transition revient à l'interface UI cible de l'utilisateur, ne la reconcevez pas.
4. Dans les plans clés, référencez à nouveau l'image correspondante, indiquez clairement quelle image le modèle doit voir à ce moment ; chaque transition doit préciser « de quelle image → vers quelle image / état ».
5. La fin doit atterrir sur une image montable (carte cible / UI d'évolution / écran de victoire / expression figée) ; la durée totale de la timeline est égale à la durée demandée par l'utilisateur (15 s : souvent 0–2 / 2–4 / 4–6 / 6–8 / 8–11 / 11–13 / 13–15).

Règle absolue de sortie

• Paragraphes en texte brut, n'utilisez pas de tableaux markdown / dièses / gras / lignes de séparation ; vous pouvez utiliser des étiquettes de plage horaire en texte brut (0–2 secondes :) et des étiquettes en ligne (Brève description du décor :, Post-production son et étalonnage :). Cela doit se lire comme une instruction directement collable dans une plateforme vidéo, pas comme un document.
• Ne produisez que le prompt lui-même, pas de préambule comme « Bien, je vais vous aider à écrire », n'expliquez pas le processus d'analyse.
• Tous les noms de mouvement de caméra doivent être en « Français (Anglais) » : Travelling avant (Dolly In), Panoramique fouetté (Whip Pan) ; n'écrivez pas uniquement en anglais, et n'utilisez pas d'espace sans parenthèses.
• Interdiction des méta-indications : n'écrivez pas « nouveau / original / maintenant changé en / modifier cette fois / disposition originale », sauf s'il s'agit d'un texte réellement visible dans l'image.
• La langue de sortie suit celle de l'entrée, par défaut le chinois ; n'ajoutez pas de parenthèses explicatives (comme « (obligatoire) »), ne commencez pas par « en un mot ».

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B · Méthode Seedance / 即梦 (style simplifié)

Source : @simonxxoo, tests intensifs (2026-07, relayé par @ring_hyacinth, Seedance 2.0). Des heures de recherche condensées en règles pratiques — pour Seedance, suivez ce système par défaut, qu'il y ait ou non des images de référence. Les neuf formules / contrastes de couleurs de la section A deviennent ici un « lexique d'emprunt » : utilisez un ou deux mots pour un plan spécifique (Crash Zoom / Dolly Zoom) mais ne les empilez jamais.

Une tête + quatre segments + une queue, pas de rédaction fleurie :

• Intention d'ouverture (une ligne) : Style / médium / texture lumineuse + Qui fait quoi où ; pour les 30s+, ajoutez la durée et le format d'image. Les mots de style n'apparaissent que sur cette ligne
• Sujet : Produisez une fiche personnage ; sur Seedance, créez un nouveau sujet et réutilisez-le avec @, la cohérence est excellente
• Scène : Transmettez une image de la scène avec le protagoniste → précisez la taille du personnage pour éviter les disproportions
• Musique : ⚠️ Ne produisez que les effets sonores correspondants, pas de BGM — facilite le mixage audio, c'est le point le plus important
• Caméra : Chaque plan en une phrase « échelle de plan + ce qui se passe », concis ; pour les 30s, ajoutez [Fonction d'étape]
• Contrainte (une ligne) : Verrouillage de la continuité sur toute la vidéo + interdictions (sous-titres / direction de la lumière inchangée / événement à ne pas produire avant)

Squelette de sortie (anglais de caméra en langage clair, aucune notation en anglais, pas de segment sur les contrastes de couleurs) :

[Une ligne d'intention globale : style / médium / texture lumineuse, qui fait quoi où ; ≥30s, précédez de « 30 secondes, 16:9 »]

Sujet : [Nom]@Image 1 (silhouette simple / si l'image est assez claire, mentionnez en une phrase ; si le sujet est facile à déformer, ajoutez des caractéristiques clés + contrainte négative)
Scène : [Mots-clés ; s'il y a une image de scène, ne répétez pas la description ; s'il n'y a pas d'image, décrivez le nouveau monde dans les plans]
Musique : pas de musique de fond, générez uniquement les effets sonores correspondants   ← En entrée structurée, faites-en une ligne séparée ; dans un prompt narratif pur, vous pouvez l'omettre

Shot 01 : [Échelle de caméra / langage clair] + [Ce qui se passe].
Shot 02 : ... (Généralement 5~6 plans pour 15s ; numérotez simplement, n'écrivez pas « 0–3 secondes », etc.)
(≥30s, écrivez comme Shot 01【Question】: ... / Shot 02【Acceptation】: ..., entre crochets, la tâche narrative du plan, 2–4 caractères)

Contrainte : [Ce qui est verrouillé sur toute la vidéo (identité / vêtements / position de caméra / direction de la lumière) + ce qui est interdit (sous-titres / BGM / événement à ne pas avancer / nouveau personnage ou objet)]

Niveaux de workflow / modes de sortie / axes temporels (détails dans references/seedance-director-workflow.md) :

• Niveaux : ≤15s, ≤2 assets → Niveau léger, remplissez les quatre segments et écrivez directement ; 16–30s ou 3–5 assets ou avec dialogues → Niveau intermédiaire, ajoutez un tableau de verrouillage des assets et un verrou de continuité ; 30s+ / vidéo longue / extension / édition / maquette blanche / transition sans couture / multi-grille / l'utilisateur demande un « plan de réalisateur » → Niveau lourd, suivez les 9 étapes (verrouillage de la demande → inventaire des assets → tableau de verrouillage des assets → héritage d'exemple → capacité spécialisée → choix de formule → verrouillage de continuité → brouillon → révision).
• Modes de sortie : Par défaut prompt-only (un bloc de code). Si l'utilisateur dit « plan de réalisateur / plan complet » ou demande un niveau lourd → full-direction : plan de réalisateur → tableau de correspondance des assets → continuité et interdictions → prompt final (un seul bloc de code). Il existe aussi script-only (uniquement le script), diagnosis-only (uniquement le diagnostic, pas de réécriture), revision (réécrire dans la structure d'origine, lister d'abord les changements).
• Mode axe temporel : Par défaut Shot 01 / Shot 02 ; ≥30s par défaut Shot 01【Fonction d'étape】. Si l'utilisateur demande explicitement un axe temporel précis / points d'accroche / la N-ième seconde / vidéo longue / segments d'extension et d'édition → passez à 0-3s【Étape】: Action + caméra + son + état final, les segments sont continus sans chevauchement, la somme est égale à la durée ; pour les vidéos longues, écrivez par acte/scène, pas de micro-gestion seconde par seconde.
• Étiquettes : Assets uniformément @Image N / @Video N / @Audio N, numérotés dans l'ordre de téléchargement ; si l'utilisateur dit « image 1 », mappez en @Image 1 et mentionnez-le en dehors du bloc de code.

Quelques règles strictes :

• Langage de caméra en langage clair (angle bas grand-angle / suivi de côté / chute en plongée extrême / grand plan d'ensemble en arrière / contre-plongée extrême en montant), n'utilisez pas le format « Français (Anglais) ».
• Chaque plan n'écrit que « mouvement de caméra + ce qui se passe », n'empilez pas d'adjectifs (supprimez « cristallin », « plein d'énergie », « ambiance réconfortante ») ; si la narration est complexe, vous pouvez écrire long, tant que chaque phrase est un événement et non un mot d'émotion.
• Concentrez les mots de style dans la ligne d'intention d'ouverture : Écrivez le médium / le style de dessin / la texture lumineuse (documentaire réaliste, éclairage cinématographique, animation 3D CG, faible profondeur de champ, respiration à l'épaule), tout sur une ligne ; supprimez toujours les mots comme « 8K », « ambiance de rêve », « réconfortant » qui ne pointent pas vers une image visible. N'utilisez pas de mots de style dans les lignes de plan.
• N'écrivez pas de ligne de définition de projet / segment de liaison d'actifs indépendant / décor et costume / contraste de couleurs / étalonnage ; compressez la phrase d'introduction de la section A en une seule ligne d'intention d'ouverture. Les références d'image sont intégrées directement dans les lignes sujet ou plan. Les informations opérationnelles comme la durée / le nombre de plans / les tirages sont placées en dehors du bloc de code, pas dans le prompt lui-même.
• Ligne de contrainte finale : La continuité au niveau de la vidéo entière (identité / vêtements / position de caméra / direction de la lumière inchangée) et les interdictions (pas de sous-titres / pas de BGM / les larmes ne doivent pas venir trop tôt / pas de nouveau personnage ou objet) sont placées à la dernière ligne ; le niveau léger sur une ligne, le niveau intermédiaire/lourd sur deux ou trois lignes.
• Détail de l'apparence du sujet en fonction du risque de cohérence : Image claire, silhouette simple → mentionnez en une phrase ; marionnette anthropomorphique, etc., facile à déformer par le modèle → ajoutez des caractéristiques clés + contrainte négative (« ne peut pas être dessiné comme un vrai cheval / un enfant humain »). Verrouiller la cohérence n'est pas verbeux ; répéter les couleurs / la disposition / l'ambiance déjà présentes dans l'image de référence, ça l'est.
• Les plans sont numérotés sans secondes : Préfixe uniforme Shot 01, Shot 02 (deux chiffres), n'écrivez pas « 0–3 secondes », « 3–6 secondes ». La durée de chaque plan est déterminée par le nombre de plans ; seul si l'utilisateur demande explicitement des points d'accroche / un axe temporel précis (2.5), écrivez les secondes dans le plan correspondant.
• ≥30s ajoutez la fonction d'étape : Shot 01【Question】, Shot 02【Acceptation】, entre crochets 2–4 caractères pour la tâche narrative du plan (apparition / déséquilibre / retournement / résonance), cela aide le modèle à répartir le rythme ; ≤15s, ne l'ajoutez pas.
• Écrivez les événements dans l'ordre causal : Déclencheur d'abord, puis réaction (entendre un son → tourner la tête ; contact → tomber ; yeux humides d'abord → puis verser des larmes), le résultat ne peut pas précéder la cause.
• Pour les assets de référence, écrivez clairement ce qui est emprunté et ce qui ne l'est pas : Référence à l'action de @Video 1 ne suffit pas ; écrivez plutôt « Shot 03 : référence au rythme d'action saut-frappe de @Video 1, mappé sur le personnage de @Image 1 ; n'héritez pas des personnages / de la scène / du son de @Video 1 ».
• Les images de référence de personnage verrouillent par défaut un personnage complet visible (visage + coiffure + vêtements + morphologie + accessoires), elles n'héritent pas de l'arrière-plan / de la pose / de la composition de l'image ; si l'utilisateur dit « ne référence que le visage », alors seulement réduisez. Pour plusieurs sujets : une ligne par sujet, chacun avec sa propre image.
• En cas de dialogue, budget de 3–5 caractères par seconde, laissez du temps pour entendre, faire une pause, réagir ; si ça ne tient pas, supprimez des mots, ne compressez pas la performance.

Exemple excellent (de @simonxxoo : « Shama entre dans le monde de la couture », sujet avec image de référence, scène entièrement nouvelle construite par texte, de type narratif) :

Sujet :
Shama@Image 1 peluche orange type pony-like, bonnet à rayures gris et blancs, salopette en jean, yeux ronds, museau de cheval, tient un pinceau, marche debout sur deux pattes, ne peut pas être dessiné comme un vrai cheval ou un enfant humain.
Lapin@Image 2 petit lapin fabriqué en couture au fil.

Shot 01 :
Shama se tient devant une porte de fente formée par la couture de deux immenses rideaux de tissu. Entre les rideaux, une couture corail se défait maille après maille, laissant filtrer une lumière blanche et chaude. L'espace devient apesanteur, le mur de tissu, initialement vertical, semble avoir pivoté de 90 degrés, devenant un canyon de tissu qui s'ouvre vers le bas. Shama glisse et est aspiré par la lumière et le fil rouge dans les profondeurs de la fente.

Shot 02 :
La caméra plonge rapidement de très haut, Shama, en position debout de peluche, tourne dans les airs, des patrons, des fils, des boutons, des morceaux de tissu, des plans de couture tourbillonnent autour de lui. La caméra suit le fil rouge qui roule, comme un fil de navigation guidant Shama à travers le canyon de tissu.

Shot 03 :
Shama atterrit au sol du monde de la couture. D'abord, gros plan sur le sol en fibre de tissu, les pattes en peluche tombent, les fibres douces rebondissent légèrement. Shama se lève lentement, la caméra part d'un gros plan de son visage surpris, puis recule lentement jusqu'à un plan très large vu de derrière lui. Au loin, une immense machine à coudre se dresse comme un monument mondial ; les routes menant à la machine sont bordées de nombreuses bobines de fil de la taille de bâtiments, nichées dans des collines de tissu superposé en jean, coton blanc crémeux, tissu couleur avoine, des patrons flottent lentement dans le ciel, le tout est lumineux, grandiose et fantastique.

Shot 04 :
Puis coupe sur un plan moyen de face de Shama, il regarde autour de lui, stupéfait. Derrière Shama, parmi les écheveaux, un petit lapin fabriqué en couture au fil.
Le lapin de fil surgit soudainement, produisant un son léger. Shama l'entend, tourne la tête et le regarde.

Shot 05 :
Le lapin de fil saute adroitement sur un écheveau, lève la main vers le haut. La caméra suit son geste et remonte, devenant une contre-plongée extrême, révélant entre les hautes tours de bobines de fil un rail aérien fait de mètres rubans et de fils rouges.
Le lapin de fil descend une corde corail du rail, et tend le bout de la corde à Shama.

Shot 06 :
Gros plan pensif de Shama, il abaisse les yeux sur la corde rouge dans sa main, puis lève les yeux vers le rail aérien.

Shot 07 :
Enfin, Shama attrape la corde rouge à deux mains et saute dans un petit chariot à fil. La caméra passe en suivi latéral, le petit chariot glisse le long du rail de point, les bobines géantes défilent rapidement au premier plan, Shama s'engage dans la route d'aventure continue du monde de la couture.

Points à remarquer : ① La référence @Image N du sujet + la contrainte négative verrouillent la peluche pour qu'elle ne soit pas dessinée comme une vraie personne / un vrai cheval ; ② La scène n'a pas d'image de référence, le texte décrit clairement les points de repère, l'échelle et les objets du « monde de la couture » (les informations non couvertes par l'image doivent être écrites, cela ne viole pas la règle « ne répète pas ») ; ③ Tout au long, ce sont des mouvements de caméra + des événements concrets (fil rouge qui se défait, chute en apesanteur, recul sur un plan large, contre-plongée extrême montante, suivi latéral), pas un seul adjectif d'ambiance vide ; ④ Cet exemple omet la ligne musique, en production réelle sur Seedance, n'oubliez pas d'ajouter « pas de musique de fond, produisez uniquement les effets sonores » ; ⑤ Le post original avait pour préfixe « Plan N », ici on utilise la convention de ce skill Shot 0N, l'écriture est la même ; ⑥ Le post original n'avait pas de ligne d'intention d'ouverture ni de ligne de contrainte finale, en production réelle avec le squelette actuel, ajoutez deux lignes — en ouverture « Ambiance de film d'animation en stop-motion en peluche, reflet doux du tissu, Shama tombe dans le monde géant de la couture et part à l'aventure », en fin « Contrainte : Shama et le lapin conservent tout au long la matière et les vêtements en peluche, le fil rouge reste toujours corail ; pas de sous-titres, pas de BGM, pas d'ajout d'autres personnages ».

Stratégie de tirage : Chaque plan dure 2~3 secondes → une sortie directe de 15s peut donner ≥5 plans cohérents et de haute continuité ; 3 tirages = 15 assets sélectionnables. La durée de chaque plan est influencée par le nombre de plans, pas par l'horodatage.

Auto-vérification avant livraison (6 points) : ① Chaque @ correspond à un asset réellement donné par l'utilisateur, le numéro n'est pas faux ; ② Nombre de plans × 2~3s ≈ durée cible ; ③ Chaque plan est « caméra + événement », pas d'adjectif d'ambiance, pas de secondes (≥30s avec [Fonction d'étape]) ; ④ Ordre causal correct ; ⑤ La ligne d'effets sonores est présente (ou dans la narration, il est précisé que seuls les effets sonores sont produits) ; ⑥ Une ligne d'intention d'ouverture et une ligne de contrainte de fin sont présentes, les contraintes ne contredisent pas les événements des plans.

Cinq règles contre-intuitives (testées en version 2.0 ; les différences pour la 2.5 sont annotées ci-dessous) :

1. Ne mettez pas de storyboard — Un storyboard élaboré avec des courbes de mouvement / tableaux, une fois inséré, produit au contraire des erreurs. (Note pour 2.5 : L'entrée officielle « storyboard multi-grille » a été ajoutée, mais elle recommande un storyboard simple en traits / stickman, la composition / échelle / mouvement / action restent contrôlées par le Prompt — l'élégant storyboard reste à éviter.)
2. Le Prompt ne doit pas être long — Si vous avez déjà transmis le sujet / l'image de référence de la scène, ne les répétez pas en texte ; un prompt que vous-même ne pouvez pas finir de lire signifie que vous ne réfléchissez pas à ce qui doit se passer dans l'histoire.
3. N'utilisez pas d'horodatage dans les plans — Le modèle ne répartit pas vraiment la durée selon l'horodatage, c'est un placebo. (Valable uniquement pour la 2.0 ; la 2.5 supporte officiellement l'horodatage textuel, vous pouvez contrôler l'évolution des actions et les transitions de scène à la seconde près — si vous utilisez la 2.5 et que l'utilisateur demande explicitement des points d'accroche / un axe temporel précis, passez au mode axe temporel ci-dessus ; par défaut, continuez avec la simple numérotation.)
4. Utilisez la 720P, pas la 1080P — Actuellement (2026-07), c'est ce qui donne la meilleure réponse aux prompts, le plus rapide et le moins cher ; la recherche aveugle de la haute définition nuit à la réponse. (En 2.5, les niveaux de sortie officiels sont 480p / 720p, cette règle reste valable.)
5. La netteté se fait en post-production — Après la version finale, utilisez Topaz pour upscaler en 4K (attention, certains plans peuvent être trop accentués).

Compléments officiels de Seedance 2.0 (Manuel d'utilisation officiel de 2026-08 ; le style simplifié est contemporain, seules les contraintes dures et la syntaxe officielle sont ajoutées ici, voir references/seedance-2.0-official.md) :

• Limite d'entrée : ≤9 images ; ≤3 vidéos, total 2–15s ; ≤3 fichiers audio, total ≤15s ; Limite totale des entrées mixtes : 12 fichiers — avant d'écrire le prompt, vérifiez que les assets ne dépassent pas la limite. Durée de génération : 4–15s.
• ⚠️ Interception des visages réels : Les assets image / vidéo contenant un visage humain réel identifiable seront directement bloqués par le système et ne pourront pas être générés — la texture humaine réaliste ne peut être décrite que par texte, pas par photo.
• Deux seules entrées : Image de début et de fin (image de début + prompt) / Référence complète (combinaison multi-modale) ; l'image multi-trame et la référence au sujet ne sont pas sélectionnables.
• Syntaxe @ : Multiples @ du même asset augmentent la précision ; pour plusieurs sujets, utilisez la méthode de numérotation « Prendre le chat dans @Video 1 comme sujet 1 » pour éviter les confusions ; le timbre vocal peut être spécifié séparément « Référence de timbre pour la voix off @Video 1 » ; s'il n'y a pas d'asset audio, vous pouvez directement référencer le son de la vidéo.
• Extension « gotcha » : Quand vous dites « Prolonger @Video 1 de 5s », la durée de génération sélectionnée doit être la durée de la partie ajoutée (5s), pas la durée totale.

Compléments officiels de Seedance 2.5 (Manuel d'utilisation officiel de 2026-08 ; les méthodes d'écriture restent inchangées, voici les nouveaux espaces disponibles et les chiffres officiels) :

• Niveaux de durée : La sortie directe unique peut aller jusqu'à 30s (duration 4–30s) ; le mode « vidéo ultra-longue » peut aller jusqu'à 180s ; les vidéos générées ≤30s peuvent être prolongées plusieurs fois par « poupée russe », jusqu'à 60s. La stratégie de tirage 15s/5–6 plans reste la même, mais si la narration est longue, vous pouvez directement demander 30s.
• Limite d'entrée (référence multi-modale) : Jusqu'à 30 images (en 4K) ; jusqu'à 10 segments vidéo, durée totale ≤30s ; jusqu'à 10 segments audio, durée totale ≤30s ; prise en charge de la génération uniquement audio (en 2.0, il fallait au moins une image ou une vidéo).
• Recommandation officielle pour les assets : 1 à 5 images de référence donnent les meilleurs résultats (6 à 8 peuvent être essayées mais nécessitent des tirages) ; 1 à 5 sujets, une image unique ou plusieurs vues, tout est possible, mais au-delà de 5 sujets, une seule vue est plus stable ; pour plusieurs vues, découpez en plusieurs images de vues différentes, ne mettez pas tout dans une seule image multi-vues (plusieurs images, plusieurs vues > une image, plusieurs vues) ; les assets audio/vidéo des sujets de 5 à 10s donnent les meilleurs résultats, le nombre de sujets idéal est de 1 à 8 ; les segments d'entrée pour l'édition vidéo ≤20s donnent les meilleurs résultats.
• La règle d'or de la musique est plus stable : La 2.5 a considérablement corrigé les apparitions aléatoires de sous-titres / BGM non pertinents, et prend même en charge l'utilisation de prompts pour supprimer le BGM de la vidéo d'origine en ne gardant que la voix (les éléments visuels comme les sous-titres sont conservés) — la règle d'or « produire uniquement des effets sonores, pas de BGM » reste inchangée, la sortie est plus propre.
• Liste des capacités pilotables par prompt (choses que vous pouvez commander directement en 2.5) : Points d'accroche temporels, contrôle de maquette blanche (utiliser une maquette 3D sans texture pour verrouiller la position de la caméra / la position debout / la trajectoire de mouvement), fond vert, élimination et édition locales, modification de la perspective spatiale (changer la position de la caméra et extrapoler pour compléter l'espace hors champ), transition sans couture entre deux segments vidéo, migration créative (reproduire le mouvement / l'émotion / le langage de caméra / l'ambiance des réseaux d'une vidéo de référence), référence de timbre, référence multi-personnages (corriger le problème du « visage jumeau »), écriture directe en langues rares (écrire directement en chinois, pas besoin de traduction).
• Recettes officielles par scénario (détails dans references/seedance-2.5-official.md, à utiliser selon les besoins ; pour les narrations ≤15s, la méthode simplifiée des quatre segments est toujours la valeur par défaut) :
  • Aucun asset de référence / général → Formule de base officielle : description des assets + résumé en une phrase + intrigue par segments temporels (description positive + description négative) + compléments globaux
  • Pour un visage humain réel / lutter contre le visage IA / le visage jumeau → Formule en 8 dimensions pour un personnage humain réel (inclut le suffixe de fidélité obligatoire « conserver les vrais et fins pores et la texture de la peau »)
  • Vidéo longue 30s → Trois modules : couche de référence multi-modale + paramètres globaux (incluant les interdictions pour éviter les effondrements) + storyboard scénaristique avec horodatage (instructions physiques + sous-texte émotionnel)
  • Vidéo ultra-longue 60–180s → Ajoutez au début des paramètres globaux (durée/format), pour le reste, suivez la formule de base en écrivant directement par segments de secondes
  • Extension de vidéo → Doit inclure « prolonger vers l'avant / prolonger vers l'arrière / continuer / poursuivre » + contrainte de raccord ; si vous voulez couper, utilisez une formule de transition (le lexique officiel des 11 types de transition est dans la référence). Comme « écrire en continuation vers l'avant / vers l'arrière » est ambigu en chinois, demandez d'abord « Le nouveau segment doit être placé avant ou après la vidéo originale ? » ; le prompt décrit uniquement l'intervalle ajouté et déclare que la vidéo originale reste inchangée
  • Transition sans couture entre deux vidéos → Déclarez en début « Connexion sans couture entre @Video 1 et @Video 2, ne modifiez pas les deux vidéos originales », puis écrivez le point de sortie de la vidéo 1, l'état de transition plein écran, le point d'entrée de la vidéo 2, verrouillez la forme / la position / la direction / la vitesse
  • Storyboard multi-grille → Déclarez « @Image 1 est un storyboard complet et ordonné en N cases, chaque case est un plan », les personnages / la scène sont référencés sur une autre image ; chaque case correspond à un Shot
  • Édition intelligente / édition avancée / édition vidéo → [Outil et orientation de marquage] + [Objet à modifier] + [Action et changement] + [Séquence temporelle d'effet]
  • Maquette blanche → Granularité grossière (squelette dynamique, formule en 5 segments) / Granularité fine (rendu et coloration, formule en 4 segments) ; actuellement, la granularité grossière donne de meilleurs résultats

Texte original des tests de simonxxoo : https://x.com/ring_hyacinth/status/2076284324345987386 (relayé par @ring_hyacinth, 2026-07). Manuel d'utilisation officiel de Seedance 2.5 : https://bytedance.larkoffice.com/wiki/RXh5ww6EqighMdkVTMccm2d4n7e (extrait le 2026-08-05, paramètres / conseils sur les assets / liste des capacités intégrés dans la section ci-dessus). Manuel d'utilisation officiel de Seedance 2.0 : « Manuel d'utilisation de Seedance 2.0 (nouvelle expérience de création multi-modale) », docx officiel (extrait le 2026-08-05), points clés stockés dans references/seedance-2.0-official.md. Workflow de réalisateur (niveaux / 9 étapes / tableau de verrouillage des assets / modes de sortie / axes temporels / normes d'étiquetage) : references/seedance-director-workflow.md. Compléments de méthode de réalisateur (contrat de portée de référence / portée de référence des personnages / chaîne causale / budget de dialogue / direction d'extension / transition sans couture / multi-grille / auto-vérification des contradictions) : references/seedance-direction-patterns.md, absorbé de liyue-aigc/seedance-2-5-video-director (2026-09-04).