Compétence Réalisateur : Histoire → Fichier Complet Prêt à Tourner
Cette compétence est une spécification d'exécuteur, pas un guide
- L'utilisateur fournit une histoire ou un sujet. Vous effectuez tout le travail restant et produisez un fichier complet prêt à tourner. L'utilisateur ne donne que l'histoire et choisit le type au début, puis approuve ou commente aux nœuds de retour.
- « Live-action » signifie ici une vidéo photoréaliste générée par IA, pas un tournage réel. Il n'y a pas d'acteurs, de caméras ou de lieux réels ; le personnage, la performance, la caméra et le monde sont tous générés par IA, et la continuité entre les clips générés séparément est le problème difficile.
- Par défaut, le package complet. Ouvrez avec une invite interactive : demandez animation ou live-action, puis les quatre contraintes de base (rapport hauteur/largeur, durée, style, dialogue ou non — demandez quand manquant, jamais de valeur par défaut), puis proposez la checklist d'étapes avec toutes les étapes sélectionnées ; l'utilisateur peut décocher des étapes et vous n'exécutez que celles cochées.
Contrat
- Entrée : une histoire ou un sujet + type (animation ou live-action IA). Demandez les quatre contraintes de base avant de commencer.
- Sortie : un fichier complet prêt à tourner avec les neuf sections ci-dessous, dans l'ordre. Rien ne manquant compte comme complet. Livrez-le en tant que page HTML : chaque invite (invites d'image et invites Paste de plan, anglais et chinois) a un bouton de copie en un clic, afin que l'utilisateur puisse coller chaque invite directement dans le modèle.
- Votre travail : thème, scénario, storyboard, conception des personnages, décors, invites de plan, table de transition, table de montage, QC — tout rédigé par vous.
Les neuf sections du fichier de sortie
- Couverture / informations de base (titre, type, rapport hauteur/largeur, durée totale, secondes par plan, dialogue ou non, style ; un élément manquant signifie incomplet)
- Thème (trois phrases, toutes requises : thème en une phrase, sentiment du public en une phrase, changement du protagoniste A→B en une phrase ; si vous ne pouvez pas écrire les trois, arrêtez-vous et corrigez d'abord le thème)
- Synopsis de l'histoire (une ligne causale principale ; chaque scène peut être résumée en une phrase ; ce que le protagoniste veut, craint et finalement gagne ou perd ; terminez par une ligne de vérification du thème comme « cette scène approfondit-elle le malentendu ou récompense-t-elle le retournement ? »)
- Conception des personnages (un bref par personnage principal avec tous les champs ; liste des fiches de conception ; une invite d'image copiable par personnage)
- Décors (une description de décor fixe par scène : lieu, heure, lumière, ambiance, accessoires ; une scène = un lieu + une heure + un point dramatique)
- Liste de plans (par plan : numéro, durée, image, action, expression, caméra, son, invite Paste)
- Table de transition (comment chaque paire adjacente de plans se connecte, et si elle a besoin d'un plan de transition)
- Table de montage (chaque coupe : type de transition + gestion du son)
- Checklist QC (tout vérifié avant la livraison)
Conception des personnages
- Champs du bref de personnage (tous requis) : nom/code, identité/profession, âge, genre, silhouette, visage (forme du visage, yeux, nez, bouche, peau), cheveux, vêtements (haut, bas, chaussures, accessoires), trait distinctif, personnalité, rôle dans l'histoire, expressions/actions clés.
- Liste des fiches de conception : vues de rotation, planche d'expression, planche de poses, palette de couleurs, échelle des tailles, gros plans de détails (accessoires clés / détails de costumes).
- Fiche complète, 16:9, une image par personnage : remplissez autant que possible tout en restant lisible comme référence vidéo. Disposition, la plus riche en premier : à gauche, un grand portrait héroïque en pied ; en haut au milieu, rotation à cinq vues (face, 3/4 face, profil, dos, 3/4 dos) ; au milieu, portraits d'expression tête-et-épaules (toutes les expressions clés du bref, chacune peut avoir un angle) ; au milieu à droite, décomposition du costume et des matériaux (chaque vêtement dessiné séparément, avec notes de matériaux) plus des gros plans de détails d'accessoires (accessoires clés) ; à droite, une image émotionnelle cinématographique / référence d'ambiance ; en bas, une bande de palette de couleurs (échantillons solides, codes hexadécimaux autorisés). Les données de profil (nom, âge, taille, profession, tempérament, mots-clés), la biographie du personnage et la ligne de signature vont dans le fichier sous forme de texte, pas dans l'image.
- Pas d'étiquettes de texte dans l'image : gardez la fiche de conception propre, sans étiquettes de texte dessus (par exemple « face », « en colère »). Le modèle vidéo lit la référence via l'invite, pas via le texte dans l'image, et le texte risque de déteindre sur la vidéo générée. Décrivez plutôt la structure de la fiche dans l'invite vidéo.
- Les invites d'image décrivent la fiche complète : écrivez la rotation, la planche d'expression, la planche de poses et la bande de couleur dans l'invite comme si elles étaient dans une seule image. N'écrivez jamais d'invite pour un seul personnage de face.
- Demandez d'abord au modèle d'image (ChatGPT Image 2.6 ou Qwen Image 2.1), puis rédigez les invites dans le style de ce modèle. Voir les conventions par modèle ci-dessous.
- Les invites en anglais reçoivent une traduction chinoise directement en dessous : chaque invite en anglais (invites d'image et invites Paste de plan) reçoit une traduction chinoise en dessous, afin que les utilisateurs qui ne lisent pas bien l'anglais sachent ce qu'elle dit. Le chinois est une référence uniquement, jamais donné au modèle.
- Critère de réussite : la silhouette se lit (reconnaissable même avec le visage couvert) ; attrait pour l'animation, réalisme pour le live-action ; reconnaissable sous différents angles et tailles de plan.
Décors et accessoires
- Une description de décor fixe par scène. La même scène conserve la même description dans tous ses plans ; changer de scène change la description.
- Chaque scène reçoit une image de référence : un plan large d'établissement en 16:9, environnement vide, sans personnages, une par scène. Le texte seul n'empêchera pas le modèle vidéo de changer la scène de plan en plan.
- Les accessoires clés reçoivent aussi une image de référence : une fiche d'accessoires en 16:9, plusieurs accessoires clés par image. Les accessoires génériques conservent à peu près leur forme mais les détails dérivent (couleur, taille, forme) ; les accessoires clés distinctifs dérivent plus sans référence. Plus un accessoire est important pour l'histoire et plus il est distinctif, plus il a besoin d'une référence.
- Critère de réussite : en lisant la description du décor, le public peut dire où il est, quelle heure il est et quelle est la lumière.
Liste de plans
Chaque plan liste le numéro, la durée, l'image, l'action, l'expression, la caméra, le son et une invite Paste. Chaque plan doit satisfaire tous ces points :
- Une idée par plan : un plan raconte une chose. Deux choses signifient deux plans.
- Une action : le personnage fait une action, écrite concrètement (déchirer, couvrir, tendre, effleurer, marcher, se tenir debout), jamais abstraite.
- Un mouvement de caméra : pousser, tirer, panoramique, travelling, suivre — choisissez-en un. Deux mouvements dans un même plan se combattent.
- Expression et ligne de regard écrites : ce que le visage montre et où les yeux regardent. Écrivez les expressions subtiles concrètement (« tristesse retenue » bat « tristesse »). L'animation peut exagérer ; le live-action reste retenu et naturel.
- Vie intérieure / sous-texte écrit : ce que le personnage pense, veut, craint dans ce plan. Un plan avec action mais sans vie intérieure sonne vide.
- Suite dans la même scène : l'image de fin est la méthode, le texte n'est qu'un aide. Les modèles vidéo génèrent chaque clip indépendamment et n'ont aucune mémoire du clip précédent. Écrire « en continuant du plan précédent » uniquement dans le texte ne fonctionne pas — le modèle n'a jamais vu le plan précédent et ne peut pas savoir ce qu'il était. La méthode fiable est image de fin vers première image : prenez la dernière image réelle du clip précédent et utilisez-la comme entrée image-vers-vidéo pour le clip suivant, de sorte que la première image du clip suivant SOIT la dernière image du clip précédent. L'invite décrit alors la nouvelle action à entreprendre à partir de cette image, et reformule l'état final (pose, expression, progression de l'action, lumière, tonalité) en mots pour aider le modèle. Sans l'entrée d'image, la reformulation textuelle ne produit qu'une continuité souple — le modèle génère à partir de zéro, donc le personnage peut dériver et la première image ne correspondra pas à la dernière image du clip précédent. Ce qui continue est l'état du personnage, pas la caméra.
- Changez de caméra et de taille de plan : deux plans consécutifs dans la même scène doivent changer de position de caméra et de taille de plan (moyen → gros plan), ou c'est un seul plan long.
- Ordre de l'invite Paste : état de fin du plan précédent → nouvelle action → expression/ligne de regard (avec vie intérieure) → caméra (taille de plan, mouvement, focale, profondeur) → lumière/ambiance → contraintes. Une phrase, un sens.
- Les invites Paste utilisent des noms @asset, pas des descriptions en langage naturel : le modèle vidéo ne sait pas qui est « jeune femme » ; il ne connaît que l'actif téléchargé par son @nom. Nommez les actifs lors de la création des images de référence (par exemple la fille est @女主, le monstre est @小怪兽, un décor est @场景1, les accessoires sont @道具), puis écrivez @女主, @小怪兽, @场景1, @道具 dans les invites Paste. N'écrivez jamais « jeune femme », « le monstre poilu », « la ruelle étroite et ancienne ». Conservez les noms @asset non traduits dans la traduction chinoise également.
- Durée : live-action environ 5 à 10 secondes par plan ; animation 2 à 6 secondes normalement, divisez toute durée supérieure à 8 secondes.
- L'animation ajoute des indications de jeu (讲戏) : avant d'animer, écrivez ce que le personnage pense, veut, craint dans chaque plan.
- Le live-action ajoute un blocage : qui se tient où, qui marche où, quand ils se tournent, quand ils regardent qui ; le blocage sert le drame (qui mène, qui cède, comment la relation change).
Storyboards
- Les storyboards sont des images, pas seulement du texte : générez des images de storyboard multi-cases afin que l'utilisateur voie les images du film et le flux émotionnel en un coup d'œil.
- Six cases par image (3×2). Douze plans prennent deux images. Les cases au-delà de la quatrième ou cinquième ont tendance à dériver, alors vérifiez chaque case dans une image de six cases pour la cohérence des personnages et des décors ; divisez huit cases ou plus sur plusieurs images.
- Chaque case dessinée dans le détail : composition (taille de plan, caméra, angle), personnage (selon l'apparence et la pose de la fiche de conception), décor (selon le lieu et les accessoires de l'image de décor), lumière (selon la lumière et l'ambiance du plan), action (le moment clé de l'action du plan). Une case doit montrer clairement ce que le plan filme et quelle est son émotion, pas un décor grossier.
- Le storyboard est pour l'utilisateur, alors rendez-le riche : en plus de l'image, écrivez la légende dans l'image sous chaque case — numéro de plan, durée, mouvement de caméra, action clé (en chinois) — afin que l'utilisateur comprenne le plan et le mouvement de la caméra à partir de l'image seule. L'image complète, l'action, l'expression, la vie intérieure et le son restent dans le fichier.
- Références : dessinez chaque case en utilisant les fiches de conception des personnages et les images de référence des décors, afin que le personnage et le décor restent cohérents entre les cases.
Continuité et transitions
- Même scène : la méthode fiable est image de fin vers première image — la dernière image réelle du clip précédent devient l'entrée image-vers-vidéo pour le clip suivant, de sorte que la première image du clip suivant SOIT la dernière image du clip précédent. L'invite du plan suivant décrit alors la nouvelle action à entreprendre à partir de cette image, et reformule l'état final du plan précédent (pose, expression, progression de l'action, lumière, tonalité) en mots pour aider le modèle. Le texte seul ne peut pas faire cela : le modèle génère chaque clip indépendamment et n'a aucune mémoire du clip précédent, donc « en continuant du plan précédent » ne produit qu'une continuité souple et la première image ne correspondra pas. Ce qui continue est l'état du personnage, pas la caméra ; la caméra et la taille du plan doivent changer activement.
- Changement de scène, quatre étapes : divisez les scènes avant de diviser les plans (une scène = un lieu + une heure + un point dramatique, avec une description de décor fixe) ; choisissez le type de transition avant d'écrire l'invite (cinq types : coupe franche, noir, fondu, cut de correspondance, J-cut) ; la nouvelle scène s'ouvre avec un plan d'établissement, jamais un gros plan coupant à un gros plan ; gérez la transition elle-même séparément (générez-la comme son propre clip, ou cachez la jointure au montage avec un plan vide, un noir, un fondu ou un J-cut).
- Les transitions appartiennent au monteur : le réalisateur décide pourquoi couper, le monteur décide comment, combien d'images et où. En vidéo courte ou production solo, les effets sonores appartiennent aussi au monteur.
- Décidez pour chaque transition si elle a besoin d'un plan de transition généré. La plupart des transitions sont effectuées au montage sans plan supplémentaire : coupe franche (coller directement), noir (fondu au noir et retour), fondu (fondu enchaîné au montage), J-cut (montage audio, pas de plan visuel). Mais certaines transitions ont besoin d'un clip généré, et la compétence doit le prévoir : un cut de correspondance complexe (l'élément partagé doit être dans une position spécifique dans les deux plans), un mouvement de caméra qui se poursuit à travers la coupe (la caméra panoramique dans le plan A et doit continuer à panoramiquer dans le plan B), un cutaway ou un plan vide pour cacher une jointure (un plan d'environnement ou de détail inséré pour combler un saut brusque ou un écart de temps), ou un plan d'établissement pour une nouvelle scène si la liste de plans saute directement dans un gros plan. Lorsqu'un plan de transition est nécessaire, ajoutez-le à la liste de plans comme son propre plan avec son propre numéro, durée, image, action, caméra, son et invite Paste — c'est un plan à générer, pas une réflexion après coup. La table de transition doit indiquer pour chaque paire adjacente si un plan de transition est nécessaire et, si oui, ce qu'il est.
- Son J-cut : le son de la scène précédente continue sous la coupe, le son de la scène suivante atterrit sur la coupe visuelle. Le BGM se termine sur le dernier plan, jamais coupé tôt.
Règles strictes (aucune exception lors de l'écriture du fichier)
- Une idée par plan.
- Un mouvement de caméra par plan.
- Ce qui continue est l'état du personnage, pas la caméra.
- Une nouvelle scène s'ouvre avec un plan d'établissement.
- Le film fini doit avoir un BGM. Pas de BGM signifie pas de livraison.
- Une phrase, un sens, dans les invites.
- Une image de référence verrouillée ne peut pas être changée à la légère (la changer signifie changer l'acteur ou le décor).
- Un clip avec un visage cassé ou un décor changé est régénéré directement, jamais laissé au montage (générez plusieurs fois et choisissez, ou changez l'invite si rien ne choisit ; ne forcez jamais un mauvais clip).
- La direction et la ligne de regard ne doivent pas être brisées (règle des 180°, correspondance du regard, un personnage marchant à gauche ne doit pas marcher à droite dans le plan suivant).
- Vérifiez la durée en comptant les images du flux vidéo, pas la durée du conteneur.
- Scénario avant images : ne générez jamais d'image avant que l'utilisateur n'ait vu le texte complet du scénario et choisi de passer aux images.
Appels de jugement (vous décidez, par cette méthode)
- Thème : posez trois questions — de quoi s'agit-il, quel est le sentiment que le public doit ressentir, comment le protagoniste change-t-il ?
- Personnage : la silhouette se lit-elle, a-t-il de l'attrait ou du réalisme, est-il reconnaissable sous tous les angles ?
- Transition : la coupe sert-elle l'histoire, l'émotion ou le rythme ? Choisissez la plus simple qui fonctionne.
- Format de fichier : HTML, car les boutons de copie et la présentation propre comptent plus que la portabilité.
Conventions par modèle d'image
- ChatGPT Image 2.6 : invite en anglais uniquement ; structure descriptive ; une phrase par idée ; mots-clés pour les lumières (« cinématographique, lumière douce, éclairage de trois points ») ; conservez les termes techniques (« détail de texture PBR, qualité de rendu Octane »).
- Qwen Image 2.1 : invite en anglais uniquement, avec une courte traduction chinoise entre parenthèses après la description anglaise ; préférez une structure phrase par phrase ; incluez les styles de référence (« style de film d'animation Disney, style photoréaliste, illustration numérique, style de concept art, rendu 3D, style de peinture à l'huile, style de bande dessinée, style de croquis, style Pixel art, style cinématographique, style rétro ») ; conservez les termes techniques (« qualité 8K, PBR, éclairage volumétrique, profondeur de champ, ISO 200, objectif 50 mm f/1.8 »).
Livrez une page HTML avec chaque invite dotée d'un bouton de copie, anglais et chinois côte à côte. Le fichier est complet, prêt à être remis au réalisateur ou à l'équipe de production.