Director-Skill (Regie-Fähigkeit)

Director Skill: Eingabe Geschichte → Ausgabe vollständige drehbereite Datei

Dieses Skill ist ein Ausführungsspezifikation, kein Leitfaden

• Der Nutzer gibt eine Geschichte oder ein Thema ein. Du erledigst die gesamte restliche Arbeit und gibst eine einzige vollständige drehbereite Datei aus. Der Nutzer gibt nur die Geschichte und wählt zu Beginn den Typ, dann nickt oder kommentiert er an Feedback-Knoten.
• „Live-Action“ bedeutet hier KI-generiertes fotorealistisches Video, keine echten Dreharbeiten. Es gibt keine Schauspieler, Kameras oder echten Orte; Charakter, Performance, Kamera und Welt sind alle KI-generiert, und Kontinuität zwischen separat generierten Clips ist das schwierige Problem.
• Standardmäßig wird das vollständige Paket verwendet. Beginne mit einer interaktiven Abfrage: Frage nach Animation oder Live-Action, dann nach den vier grundlegenden Einschränkungen (Seitenverhältnis, Dauer, Stil, Dialog oder nicht – frage, wenn etwas fehlt, verwende niemals Standardwerte), biete dann die Schritt-Checkliste mit allen ausgewählten Schritten an; der Nutzer kann Schritte abwählen und du führst nur die ausgewählten aus.

Vertrag

• Eingabe: eine Geschichte oder ein Thema + Typ (Animation oder KI-Live-Action). Frage nach den vier grundlegenden Einschränkungen, bevor du beginnst.
• Ausgabe: eine einzige vollständige drehbereite Datei mit den neun folgenden Abschnitten in der richtigen Reihenfolge. Nichts Fehlendes gilt als vollständig. Liefere sie als HTML-Seite: jeder Prompt (Bildprompts und Shot-Paste-Prompts, Englisch und Chinesisch) erhält einen Ein-Klick-Kopierknopf, damit der Nutzer jeden Prompt direkt in das Modell einfügen kann.
• Deine Aufgabe: Thema, Drehbuch, Storyboard, Charakterdesign, Szenen, Shot-Prompts, Übergangstabelle, Schnitttabelle, Qualitätskontrolle – alles von dir geschrieben.

Die neun Abschnitte der Ausgabedatei

1. Deckblatt / Basisinfo (Titel, Typ, Seitenverhältnis, Gesamtdauer, Sekunden pro Shot, Dialog oder nicht, Stil; ein fehlender Punkt bedeutet unvollständig)
2. Thema (drei Sätze, alle erforderlich: Ein-Satz-Thema, Ein-Satz-Gefühl des Publikums, Ein-Satz-Wandel des Protagonisten A→B; wenn du nicht alle drei schreiben kannst, stoppe und behebe zuerst das Thema)
3. Zusammenfassung der Geschichte (eine kausale Haupthandlung; jede Szene in einem Satz darstellbar; was der Protagonist will, fürchtet und schließlich gewinnt oder verliert; ende mit einer Themenprüfungszeile wie „vertieft diese Szene das Missverständnis oder zahlt sie die Wendung aus“)
4. Charakterdesign (ein Kurzprofil pro Hauptcharakter mit allen Feldern; Design-Blatt-Liste; ein Kopier-Einfügen-Bildprompt pro Charakter)
5. Szenen (eine feste Szenenbeschreibung pro Szene: Ort, Zeit, Licht, Stimmung, Requisiten; eine Szene = ein Ort + eine Zeit + ein dramatischer Punkt)
6. Shot-Liste (pro Shot: Nummer, Dauer, Bild, Aktion, Ausdruck, Kamera, Ton, Paste-Prompt)
7. Übergangstabelle (wie jedes benachbarte Shot-Paar verbunden ist und ob es einen Übergangs-Shot benötigt)
8. Schnitttabelle (jeder Schnitt: Übergangstyp + Tonbehandlung)
9. Qualitätskontroll-Checkliste (alle vor der Auslieferung geprüft)

Charakterdesign

• Charakterprofil-Felder (alle erforderlich): Name/Code, Identität/Beruf, Alter, Geschlecht, Statur, Gesicht (Gesichtsform, Augen, Nase, Mund, Haut), Haare, Kleidung (Oberteil, Hose, Schuhe, Accessoires), charakteristisches Merkmal, Persönlichkeit, Rolle in der Geschichte, Schlüsselausdrücke/-aktionen.
• Design-Blatt-Liste: Rundum-Ansichten, Ausdrucksbrett, Haltungsbrett, Farbpalette, Maßstabskarte, Detail-Nahaufnahmen (Schlüsselrequisiten / Kostümdetails).
• Umfassendes Blatt, 16:9, ein Bild pro Charakter: packe so viel wie möglich hinein, während es als Video-Referenz lesbar bleibt. Layout, reichhaltigstes zuerst: links, eine große Ganzkörper-Heldenaufnahme; oben Mitte, Fünf-Ansichten-Rundum (Front, 3/4 Front, Seite, Rücken, 3/4 Rücken); Mitte, Kopf-Schulter-Porträts aller Schlüsselausdrücke (alle Schlüsselausdrücke aus dem Profil, jeder kann einen Winkel haben); rechts Mitte, Kostüm- und Materialaufschlüsselung (jedes Kleidungsstück separat gezeichnet, mit Materialnotizen) plus Accessoire-Detail-Nahaufnahmen (Schlüsselrequisiten); rechts, ein filmisches, emotionales Standbild / Atmosphärenreferenz; unten, ein Farbpalettenstreifen (feste Farbfelder, Hex-Codes erlaubt). Profildaten (Name, Alter, Größe, Beruf, Temperament, Schlüsselwörter), Charakterbiografie und Signaturzeile gehen als Text in die Datei, nicht in das Bild.
• Keine Textbeschriftungen im Bild: halte das Design-Blatt sauber, keine Textbeschriftungen darauf (z.B. „Front“, „wütend“). Das Video-Modell liest die Referenz durch den Prompt, nicht durch Text im Bild, und Text riskiert, in das generierte Video einzubluten. Beschreibe stattdessen die Blattstruktur im Video-Prompt.
• Bildprompts beschreiben das umfassende Blatt: schreibe die Rundum-Ansicht, das Ausdrucksbrett, das Haltungsbrett und den Farbstreifen in den Prompt als in einem Bild vorhanden. Schreibe nie einen Prompt für eine einzelne Front-Ansicht eines Charakters allein.
• Frage zuerst das Bildmodell (ChatGPT Image 2.6 oder Qwen Image 2.1), dann schreibe Prompts im Stil dieses Modells. Siehe die pro-Modell-Konventionen unten.
• Englische Prompts erhalten eine chinesische Übersetzung direkt darunter: jeder englische Prompt (Bildprompts und Shot-Paste-Prompts) erhält eine chinesische Übersetzung darunter, damit Nutzer, die nicht gut Englisch lesen, wissen, was es bedeutet. Das Chinesische dient nur als Referenz und wird niemals dem Modell zugeführt.
• Bestehensstandard: Silhouette lesbar (erkennbar mit bedecktem Gesicht); Anziehungskraft für Animation, Realismus für Live-Action; erkennbar über verschiedene Winkel und Bildgrößen hinweg.

Szenen und Requisiten

• Eine feste Szenenbeschreibung pro Szene. Dieselbe Szene behält dieselbe Beschreibung für alle ihre Shots; ein Szenenwechsel ändert die Beschreibung.
• Jede Szene erhält ein Referenzbild: eine 16:9-weite einstellende Aufnahme, leere Umgebung, keine Charaktere, eine pro Szene. Text allein wird das Video-Modell nicht davon abhalten, die Szene von Shot zu Shot zu ändern.
• Schlüsselrequisiten erhalten ebenfalls ein Referenzbild: ein 16:9-Requisitenblatt, mehrere Schlüsselrequisiten pro Bild. Generische Requisiten behalten in etwa ihre Form, aber Details driften (Farbe, Größe, Form); unverwechselbare Schlüsselrequisiten driften ohne Referenz noch mehr. Je wichtiger eine Requisite für die Geschichte und je unverwechselbarer sie ist, desto mehr benötigt sie eine Referenz.
• Bestehensstandard: Beim Lesen der Szenenbeschreibung kann das Publikum sagen, wo es ist, wie spät es ist und wie das Licht ist.

Shot-Liste

Jeder Shot listet Nummer, Dauer, Bild, Aktion, Ausdruck, Kamera, Ton und einen Paste-Prompt auf. Jeder Shot muss alle folgenden Punkte erfüllen:

• Eine Idee pro Shot: Ein Shot erzählt eine Sache. Zwei Dinge bedeuten zwei Shots.
• Eine Aktion: Der Charakter führt eine Aktion aus, konkret geschrieben (reißen, bedecken, übergeben, schnippen, gehen, stehen), niemals abstrakt.
• Eine Kamerabewegung: Schwenk, Zoom, Kamerafahrt, Verfolgung – wähle eine. Zwei Bewegungen in einem Shot bekämpfen sich.
• Ausdruck und Blickrichtung ausgeschrieben: Was das Gesicht zeigt und wohin die Augen schauen. Schreibe subtile Ausdrücke konkret („zurückhaltende Traurigkeit“ ist besser als „Traurigkeit“). Animation darf übertreiben, Live-Action bleibt zurückhaltend und natürlich.
• Innenleben / Untertext ausgeschrieben: Was der Charakter in diesem Shot denkt, will, fürchtet. Ein Shot mit Aktion, aber ohne Innenleben wirkt leer.
• Fortsetzung innerhalb derselben Szene: Das Endbild ist die Methode, der Text ist nur ein Helfer. Video-Modelle generieren jeden Clip unabhängig und haben keine Erinnerung an den vorherigen Clip. „Fortsetzung des vorherigen Shots“ allein in Text funktioniert nicht – das Modell hat den vorherigen Shot nie gesehen und kann nicht wissen, was es war. Die zuverlässige Methode ist Endbild zu erstem Bild: Nimm das tatsächliche letzte Bild des vorherigen Clips und verwende es als Bild-zu-Video-Eingabe für den nächsten Clip, sodass das erste Bild des nächsten Clips DAS letzte Bild des vorherigen Clips ist. Der Prompt beschreibt dann die neue Aktion, die von diesem Bild aus ausgeführt werden soll, und wiederholt den Endzustand (Pose, Ausdruck, Aktionsfortschritt, Licht, Ton) in Worten, um dem Modell zu helfen. Ohne die Bildeingabe erzeugt die Textwiederholung nur weiche Kontinuität – das Modell generiert von Grund auf, sodass der Charakter abdriften kann und das erste Bild nicht mit dem letzten Bild des vorherigen Clips übereinstimmt. Was fortgesetzt wird, ist der Zustand des Charakters, nicht die Kamera.
• Kamera und Bildgröße ändern: zwei aufeinanderfolgende Shots in derselben Szene müssen Kameraposition und Bildgröße ändern (Medium → Nahaufnahme), sonst ist es eine einzige lange Einstellung.
• Paste-Prompt-Reihenfolge: Endzustand des vorherigen Shots → neue Aktion → Ausdruck/Blickrichtung (mit Innenleben) → Kamera (Bildgröße, Bewegung, Brennweite, Tiefe) → Licht/Stimmung → Einschränkungen. Ein Satz, eine Bedeutung.
• Paste-Prompts verwenden @Asset-Namen, keine natürlichen Beschreibungen: Das Video-Modell weiß nicht, wer „junge Frau“ ist; es kennt nur das hochgeladene Asset unter seinem @Namen. Benenne Assets beim Erstellen von Referenzbildern (z.B. das Mädchen ist @女主, das Monster ist @小怪兽, eine Szene ist @场景1, Requisiten sind @道具), dann schreibe @女主, @小怪兽, @场景1, @道具 in Paste-Prompts. Schreibe niemals „junge Frau“, „das pelzige Monster“, „die enge alte Gasse“. Behalte @Asset-Namen auch in der chinesischen Übersetzung unübersetzt.
• Dauer: Live-Action etwa 5–10 Sekunden pro Shot; Animation 2–6 Sekunden normal, teile alles über 8 Sekunden auf.
• Animation fügt Regieanweisungen (讲戏) hinzu: Schreibe vor dem Animieren, was der Charakter in jedem Shot denkt, will, fürchtet.
• Live-Action fügt Blocking hinzu: Wer wo steht, wer wohin geht, wann sie sich umdrehen, wann sie wen ansehen; Blocking dient dem Drama (wer führt, wer gibt nach, wie sich die Beziehung verändert).

Storyboards

• Storyboards sind Bilder, nicht nur Text: Generiere mehrpanelige Storyboard-Bilder, damit der Nutzer die Bilder und den emotionalen Fluss des Films auf einen Blick sieht.
• Sechs Panels pro Bild (3×2): Zwölf Shots erfordern zwei Bilder. Panels jenseits des vierten oder fünften neigen zum Abdriften, also überprüfe jedes Panel in einem Sechs-Panel-Bild auf Charakter- und Szenenkonsistenz; teile acht oder mehr Panels auf mehrere Bilder auf.
• Jedes Panel wird detailliert gezeichnet: Komposition (Bildgröße, Kamera, Winkel), Charakter (gemäß dem Aussehen und der Pose des Design-Blattes), Szene (gemäß dem Ort und den Requisiten des Szenenbildes), Licht (gemäß dem Licht und der Stimmung des Shots), Aktion (der Schlüsselaktionsmoment des Shots). Ein Panel muss klar machen, was der Shot filmt und welche Emotion er hat, nicht eine grobe Szene.
• Das Storyboard ist für den Nutzer, also mach es reichhaltig: Schreibe neben dem Bild die Beschriftung unter jedes Panel – Shot-Nummer, Dauer, Kamerabewegung, Schlüsselaktion (auf Chinesisch) – damit der Nutzer den Shot und die Kamerabewegung allein aus dem Bild versteht. Das vollständige Bild, die Aktion, der Ausdruck, das Innenleben und der Ton bleiben in der Datei.
• Referenzen: Zeichne jedes Panel unter Verwendung der Charakterdesign-Blätter und Szenenreferenzbilder, damit Charakter und Szene panelübergreifend konsistent bleiben.

Kontinuität und Übergänge

• Gleiche Szene: Die zuverlässige Methode ist Endbild zu erstem Bild – das tatsächliche letzte Bild des vorherigen Clips wird zur Bild-zu-Video-Eingabe für den nächsten Clip, sodass das erste Bild des nächsten Clips DAS letzte Bild des vorherigen Clips ist. Der Prompt des nächsten Shots beschreibt dann die neue Aktion, die von diesem Bild aus ausgeführt werden soll, und wiederholt den Endzustand des vorherigen Shots (Pose, Ausdruck, Aktionsfortschritt, Licht, Ton) in Worten, um dem Modell zu helfen. Text allein kann dies nicht leisten: Das Modell generiert jeden Clip unabhängig und hat keine Erinnerung an den vorherigen Clip, sodass „Fortsetzung des vorherigen Shots“ in Text nur weiche Kontinuität erzeugt und das erste Bild nicht übereinstimmt. Was fortgesetzt wird, ist der Zustand des Charakters, nicht die Kamera; Kamera und Bildgröße müssen sich aktiv ändern.
• Szenenwechsel, vier Schritte: Teile Szenen, bevor du Shots teilst (eine Szene = ein Ort + eine Zeit + ein dramatischer Punkt, mit einer festen Szenenbeschreibung); wähle den Übergangstyp, bevor du den Prompt schreibst (fünf Typen: harter Schnitt, Schwarz, Überblendung, Match Cut, J-Cut); die neue Szene beginnt mit einer etablierenden Einstellung, niemals mit einer Nahaufnahme, die zu einer Nahaufnahme schneidet; behandle den Übergang selbst separat (generiere ihn als eigenen Clip oder verstecke die Naht in der Bearbeitung mit einem leeren Shot, Schwarz, Überblendung oder J-Cut).
• Übergänge gehören dem Editor: Der Regisseur entscheidet, warum geschnitten wird, der Editor entscheidet, wie, wie viele Frames und wo. Bei Kurzvideos oder Solo-Produktion gehören auch Soundeffekte dem Editor.
• Entscheide für jeden Übergang, ob er einen generierten Übergangs-Shot benötigt. Die meisten Übergänge werden in der Bearbeitung ohne zusätzlichen Shot durchgeführt: harter Schnitt (direkt zusammengespleißt), Schwarz (Überblendung zu Schwarz und zurück), Überblendung (Kreuzblende in der Bearbeitung), J-Cut (Audiobearbeitung, kein visueller Shot). Aber einige Übergänge benötigen einen generierten Clip, und das Skill muss dafür planen: ein komplexer Match Cut (das gemeinsame Element muss in einer bestimmten Position in beiden Shots sein), eine Kamerabewegung, die über den Schnitt hinweg fortgesetzt wird (die Kamera schwenkt in Shot A und muss in Shot B weiterschwenken), ein Cutaway oder leerer Shot, um eine Naht zu verbergen (ein Umgebungs- oder Detail-Shot, der eingefügt wird, um einen ruckartigen Sprung oder einen Zeitsprung zu überbrücken), oder eine etablierende Einstellung für eine neue Szene, wenn die Shot-Liste direkt in eine Nahaufnahme springt. Wenn ein Übergangs-Shot benötigt wird, füge ihn der Shot-Liste als eigenen Shot mit eigener Nummer, Dauer, Bild, Aktion, Kamera, Ton und Paste-Prompt hinzu – es ist ein zu generierender Shot, kein nachträglicher Einfall. Die Übergangstabelle muss für jedes benachbarte Paar angeben, ob ein Übergangs-Shot benötigt wird und, wenn ja, welcher.
• J-Cut-Ton: Der Ton der vorherigen Szene läuft unter dem Schnitt weiter, der Ton der nächsten Szene trifft auf den visuellen Schnitt. Hintergrundmusik endet mit dem letzten Shot, wird niemals vorzeitig abgeschnitten.

Harte Regeln (keine Ausnahmen beim Schreiben der Datei)

1. Eine Idee pro Shot.
2. Eine Kamerabewegung pro Shot.
3. Was fortgesetzt wird, ist der Zustand des Charakters, nicht die Kamera.
4. Eine neue Szene beginnt mit einer etablierenden Einstellung.
5. Der fertige Film muss Hintergrundmusik haben. Keine Hintergrundmusik bedeutet keine Auslieferung.
6. Ein Satz, eine Bedeutung, in Prompts.
7. Ein gesperrtes Referenzbild darf nicht beiläufig geändert werden (es zu ändern bedeutet, den Schauspieler oder die Szene zu ändern).
8. Ein Clip mit einem kaputten Gesicht oder einer geänderten Szene wird direkt neu generiert, niemals für die Bearbeitung belassen (mehrere Male generieren und auswählen oder den Prompt ändern, wenn nichts passt; niemals einen schlechten Clip erzwingen).
9. Regie und Blickrichtung dürfen nicht brechen (180-Grad-Regel, Blickkontakt, ein Charakter, der nach links geht, darf im nächsten Shot nicht nach rechts gehen).
10. Überprüfe die Dauer durch Zählen der Videostream-Frames, nicht der Container-Dauer.
11. Drehbuch vor Bildern: Generiere niemals ein Bild, bevor der Nutzer den vollständigen Drehbuchtext gesehen und sich für die Fortsetzung zu Bildern entschieden hat.

Ermessensentscheidungen (du entscheidest, mit dieser Methode)

• Thema: Stelle drei Fragen – Was ist dies…

… [Gekürzt für die Übersetzung]