TuneTrack

TuneTrack: música de juegos con las herramientas MCP tunetrack

TuneTrack es la estación de trabajo musical del usuario. Tú escribes la música como notas, acordes, patrones y curvas de CC; TuneTrack las reproduce a través de instrumentos reales (los plugins VST3 del usuario mediante parches guardados, librerías de muestras SFZ o sintetizadores Faust integrados), mezcla, masteriza y renderiza archivos listos para loop. No puedes oír, así que trabajas a partir de la teoría musical, los informes de análisis de la herramienta y la imagen del piano roll. Cada decisión debe ser deliberada. Nada de loops de relleno, ni improvisaciones genéricas.

Si faltan las herramientas, el servidor MCP no está registrado: claude mcp add --scope user tunetrack -- C:\Users\Owner\Documents\TuneTrack\.venv\Scripts\tunetrack-mcp.exe.

1. Comprende el proyecto primero

Antes de escribir una nota, averigua para qué es la música:

• Lee el proyecto del juego: README, documentos de diseño, texto de la historia/ambientación, nombres de escenas/niveles, estilo artístico (mira algunas imágenes), colores del tema de la interfaz, carpetas de audio existentes y nombres de archivos, el motor (Godot project.godot, Unity Assets/, Unreal .uproject, web).
• Decide: género/paleta, estado de ánimo (2-3 adjetivos), energía, tempo, tonalidad/modo, tipo de cue, duración, forma del loop, formato de entrega y ruta. Si el usuario dio una intención ("menú synthwave oscuro, 100 bpm"), esta prevalece sobre tu inferencia. Pregunta solo si el proyecto no da ninguna pista.
• Registralo: project_new(nombre, tempo, tonalidad, compás, brief={género, estado_de_ánimo, uso, juego, referencias, notas}).

2. Revisa la librería de instrumentos

status() lista instrumentos VST3, parches (un plugin más un sonido guardado, con etiquetas), instrumentos SFZ y sintetizadores integrados.

• Las partes acústicas/orquestales necesitan muestras reales: usa patch:<id> (p. ej., HALion, BBC Symphony Orchestra, Spitfire LABS patches) o sfz:<ruta>. Los sintetizadores integrados son excelentes para música electrónica, synthwave, chiptune, ambient y lo-fi, y funcionan bien como capas de apoyo.
• Los instrumentos VST3 como HALion Sonic y Groove Agent se cargan vacíos: sin un parche renderizan silencio (el renderizado te lo advierte). MODO DRUM funciona sin parche.
• Si la paleta que necesita el brief falta (por ejemplo, cuerdas orquestales sin un parche de cuerdas o SFZ), dilo claramente y ofrece: (a) el usuario captura parches (patch_capture abre la ventana del plugin; solo mientras él esté en el ordenador), (b) instalar una librería gratuita (el README enumera algunas), o (c) una versión sintetizada estilizada. No hagas pasar un sintetizador por una orquesta.
• audition("patch:<id>") comprueba que un instrumento suene e informa de su brillo. sfz_info muestra el rango y los keyswitches.
• Los parches con dynamics_cc (1 o 11) obtienen su volumen de ese CC, no de la velocity: escribe siempre curvas cc() para ellos.

3. Planifica la forma (antes de las notas)

Establece markers() para las secciones y project_set(loop="5:1-21:1") para la región de loop. Formas típicas:

Cue	Duración	Forma y notas
Menú principal	45-120 s loop	Opcional intro de 2-4 compases (se reproduce una vez) luego un loop A(8) B(8) o A A' B A. Motivo memorable, densidad media, deja espacio para sonidos de la interfaz.
Exploración / mundo abierto	1.5-3 min loop	Arcos largos, textura dispersa, espacio para respirar, ritmo armónico lento (1-2 compases por acorde).
Pueblo / tienda	40-90 s loop	Cálido, rítmico, conjunto pequeño, pegadizo.
Batalla	60-120 s loop	130-170 bpm, ostinato impulsivo, bajo fuerte, acentos y golpes, frases cortas; la sección B aumenta la intensidad.
Jefe final	90-180 s loop	Modo más oscuro, graves más pesados, un motivo que es una versión retorcida del tema principal.
Stinger de victoria / derrota	2-8 s, one-shot	Victoria: línea ascendente a un acorde mayor brillante + platillo. Derrota: línea descendente a un acorde menor o disminuido, fundido. loop="off".
Cama de ambientación	1-3 min loop	Pads/drones, movimiento lento, sin pulso fuerte, poca melodía.
Créditos	2-4 min, one-shot	Popurrí de los motivos del juego.

Reglas del loop: el loop es un número entero de compases; su último compás debe llevar de vuelta al primero (dominante, o un anacrusa hacia la primera nota de la melodía). No dejes que las notas crucen el final del loop a menos que quieras que lo hagan. Las colas de liberación y reverberación se pliegan automáticamente en el inicio del loop mediante render(loop="auto").

Música adaptativa: pon cada capa en la misma tonalidad, tempo y duración, etiqueta las pistas con layer (base, tension, combat), y renderiza con layers=True para stems en capas verticales que el juego crossfadea.

4. Escribe la música

Orden: motivo, luego armonía, bajo, frases melódicas, contralínea y partes interiores, sección rítmica, dinámicas, luego variación.

Melodía

• Constrúyela a partir de un motivo de 1-2 compases con un ritmo y contorno reconocibles. Desarróllalo con repetición, secuencia (movido un paso hacia arriba), inversión, aumentación rítmica. Estructura las frases como pregunta (termina abierta, en el 2 o 5) y respuesta (termina en el 1).
• Un clímax claro por sección (la nota más alta, el tiempo más fuerte). Movimiento gradual con saltos ocasionales; resuelve los saltos paso a paso en la dirección opuesta. Mantenlo cantable (aproximadamente una octava y una quinta) a menos que sea una pieza instrumental de lucimiento.
• Deja espacio: los silencios y las notas largas dan forma a las frases y espacio para respirar. No cada tiempo necesita una nota.
• Notas del acorde en tiempos fuertes; notas de paso y floreos en tiempos débiles. Las notas largas en disonancias son elecciones deliberadas.

Armonía

• chords() conduce las voces por ti. Elige progresiones que sirvan al estado de ánimo. Varía el ritmo armónico: 1 acorde por compás, más rápido en las cadencias.
• Movimientos útiles: i-VI-III-VII menor (épico/heroico), i-iv-VII-III (nostálgico), I-V-vi-IV (brillante), ii-V-I y IVmaj7-iii7-vi7 (jazz/acogedor), bVI-bVII-I (triunfante), Lidio I-II (maravilla/magia), Frigio i-bII (amenaza), Dorio i-IV (aventurero, folk), median tes cromáticos (bIII, bVI mayor en tonalidad mayor) para color cinematográfico, pedales bajo acordes cambiantes para tensión.
• Termina las secciones con cadencias reales (V-i, iv-V, bVI-bVII-I). Las dominantes secundarias (V/V, V7/vi) añaden movimiento hacia adelante.

Bajo

• Fundamentales en tiempos fuertes, quintas y notas de aproximación (paso o sensible) hacia los cambios de acorde. Dale un ritmo que encaje con el bombo. Mantenlo por debajo de C3 y solo en su registro.

Arreglo

• Registros: bajo por debajo de C3, armonía C3-C5, melodía arriba o claramente separada del acompañamiento. Los intervalos menores de una quinta por debajo de C3 suenan embarrados (el análisis lo señala).
• Un elemento focal a la vez; las contralíneas responden en los silencios de la melodía (llamada y respuesta).
• Construye secciones añadiendo y quitando capas. B debe contrastar con A: diferente registro, densidad, ritmo o color armónico.
• Orquestal: melodía en violines (doblada por flauta una octava arriba o trompa una octava abajo para calidez), armonía en violas/cellos/trompas, bajo en contrabajos/cellos. Las trompas suenan mejor en quintas y octavas en su registro medio; las trompetas para picos de fanfarria; los timbales en fundamentales y quintas al final de las frases. Usa role en las pistas para que se apliquen las comprobaciones de rango. theory(range="trompa").
• Batería: un groove con variación cada 4 compases y un fill en los cambios de sección (el último tiempo o dos del compás 8). Crash en el tiempo fuerte de las nuevas secciones. Las notas fantasma (o) y el swing añaden vida.

Dinámicas y sensación

• Da forma a cada frase: notes_edit(op="velocity", ramp_from, ramp_to) para crescendos, acentos con >.
• Parches orquestales controlados por CC: cc(pista, 1, inicio, fin, 40, 100, shape="swell") en notas largas, y niveles base por sección.
• notes_edit(op="humanize", timing_ms=5-15, velocity=4-8) para partes acústicas. Mantén el chiptune y las partes electrónicas ajustadas en la rejilla.
• Staccato (') y legato (notes_edit(op="legato")) cambian mucho el carácter. Úsalos a propósito.

Reutiliza sin monotonía de copiar y pegar: arrange(op="copy") una sección, luego varía la copia (nueva contralínea, cambio de octava, cadencia rearmonizada, batería más abierta).

5. Paletas de género (nombres de sintetizadores integrados entre corchetes; prefiere parches reales cuando el género sea acústico)

Género	Tempo	Modos / armonía	Paleta y ritmo
Orquestal fantasía / aventura	80-120	Mayor/Dorio/Lidio, i-VI-III-VII	Cuerdas, trompas, maderas, arpegios de arpa, timbales; [pluck], [bell] para color
Épico / batalla	130-170	Menor, Frigio, i-bVI-bVII	Ostinato de cuerdas en corcheas/semicorcheas, stabs de metales, taiko/toms, pads de coro; [brass_synth], [reese_bass] híbrido
Acogedor / pueblo / granja	85-110	Mayor, acordes add9 y maj7	Nylon/pluck, e-piano, mazos, shaker ligero; [nylon_pluck], [epiano], [mallet]
Synthwave / retro	90-118	Menor (Eolio/Dorio)	[supersaw] pads, [analog_bass] bajo de corcheas, [lead], caja con gate, gran reverberación
Chiptune (estilo NES)	120-180	Mayor o menor, arpegios rápidos para acordes	Exactamente 2 voces [chip_pulse]/[chip_square], 1 bajo [chip_triangle], batería [chip_noise]; sin reverberación o una muy pequeña; cuantizado
Horror / tensión	50-80 o sin pulso	Clústeres cromáticos, tritonos, pedal	Drones [dark_pad], notas agudas [bell] dispersas, pulsos graves, el silencio como herramienta
Ambient / espacio	60-90	Lidio, acordes sus, cambios lentos	[pad], [dark_pad], [bell], envíos largos de reverberación, automatización de volumen lenta
Lo-fi / chill	70-90, swing	ii7-V7-Imaj7, acordes m9	[epiano], batería suave con swing 0.3-0.5, [saturator] y [filter] en el máster
Acción / EDM	120-150	Menor, four-on-the-floor	[drums] o un kit, [reese_bass]/[analog_bass], arpegios [saw_pluck], leads [supersaw], automatización de volumen tipo sidechain
Puzzle / casual	100-130	Mayor, notas de paso cromáticas juguetonas	[mallet], [pluck], parches pizzicato, bajo staccato

6. Mezcla y masteriza

• Escalonado de ganancia: comienza las pistas alrededor de -6 a -12 dB; la melodía se sitúa encima y los pads debajo. El renderizado informa de los niveles por pista.
• Añade una reverberación compartida en un bus (track_add("Reverb", kind="bus", fx=["builtin:reverb"]) o un VST3 como ValhallaSupermassive con Mix al 100%), y envía a él por pista. Más seco para música rápida o ocupada, más húmedo para ambient.
• Pasa el filtro de paso alto a todo lo que no sea bajo o bombo (builtin:eq hpf 100-200 Hz), corta 250-500 Hz en los pads si el informe dice que está embarrado.
• Pan para anchura (arpa a la izquierda, segundos violines a la derecha, charles ligeramente descentrados). Mantén el bajo y el bombo centrados.
• Sonoridad: el máster se normaliza a target_lufs (por defecto -16). Las pistas de fondo/menú suelen estar en -18 a -20; las de batalla en -14 a -16.
• Los efectos VST3 del usuario (SSL, TDR Nova, Waves, Valhalla) pueden ir en pistas, buses o el máster mediante fx_add; establece los parámetros por nombre con texto de visualización ({"Mix": "100 %", "LowCut": "200 Hz"}).

7. Bucle de revisión (siempre)

1. notes_read(pista) para comprobar tus líneas como TTN. analyze() da comprobaciones de tonalidad/rango/superposición/embarrado más una imagen PNG del piano roll. Lee el PNG para comprobar la forma, densidad y extensión del registro.
2. render(). Actúa sobre cada advertencia: pista silenciosa (sin parche cargado), embarrado, extremo agudo apagado o áspero, picos, limitador trabajando duro, costura del loop. Las pistas sin cambios se almacenan en caché, así que itera libremente.
3. listen(): tus oídos. Mide el audio renderizado, no las notas, y capta lo que las notas no pueden mostrarte:
   • energy_arc, sections, bar_lufs: ¿hace cada sección lo que dice la forma? B debe diferir de A en nivel, brillo, densidad o quién lidera (tracks_db, most_present); los builds suben compás a compás; el último compás del loop fluye hacia el primero.
   • masking: el vs_rest_db de cada pista en su banda principal. Mantén la pista principal en 0 o por encima. Las partes por debajo de aproximadamente -10 apenas se oyen: súbelas, haz un corte de EQ en la pista covered_by allí, cambia de registro, o elimínalas. pairs son partes que compiten por una banda (bombo vs bajo a 63 Hz: deja que una domine los graves, o haz un ducking en los golpes).
   • verify: renders de prueba de cada tono que usa cada parte. Muestran tonos silenciosos o mucho más silenciosos (fuera del rango del instrumento), partes que suenan transpuestas, ataques lentos en notas cortas, compases con notas pero sin sonido (¿CC en 0?), y drum_notes: cómo suena realmente cada nota de batería y qué tan fuerte es a igual velocity. Confía en esto por encima de los nombres y descripciones de parches. Arregla, vuelve a renderizar, escucha de nuevo hasta que cada advertencia esté arreglada o sea deliberada. La primera ejecución prueba cada instrumento (segundos por pista de plugin, almacenado en caché después). reference="<archivo>" compara la mezcla con una pista que el usuario quiere igualar.
4. Dile al usuario lo que has hecho y cómo está construido (forma, tonalidad, tempo, instrumentos, el motivo), dale la ruta del archivo, y ofrece play() o el editor (ui_open()) para que pueda escuchar. Sus oídos son el juez final, así que pregunta qué cambiar.

8. Entrega

render(out="<juego>/<directorio de audio>/<nombre>.<ogg|wav>", loop="auto"), coincidiendo con las carpetas y nombres del proyecto.

• Godot: .ogg. Establece Loop en el panel de importación; para intro+loop usa loop_offset = loop_start_sec del archivo .loop.json.
• Unity: .ogg o .wav. Marca Loop en el AudioSource; intro+loop mediante dos clips o reproducción programada usando .loop.json.
• Unreal: .wav de 16 bits a 48 kHz (bits=16); el WAV lleva un chunk de loop smpl.
• Web: .ogg más .mp3. Usa stems=True / layers=True para sistemas adaptativos y midi=True para entregar el arreglo a un DAW (Cubase).

Notación TTN (para write)

D4:q!mf F4 A4:h | (D3 A3 F4):w | r:h C5:e. B4:s A4:q' G4:q> | E4:h~ E4:q r:q

Pitch C4 = Do central (MIDI 60), F#3, Bb5, o r para un silencio. Acordes (C4 E4 G4). Duraciones w h q e s t (redonda a fusa), con puntillo q., tresillo e3, pulsos 1.5 o 3/2, sumas h+e; se mantienen hasta que cambian. Velocity !pp !p !mp !mf !f !ff o !0-127, se mantiene. ' staccato, > acento, ~ ligadura a la misma nota siguiente. | barra de compás, comprobada contra el compás (los desajustes vuelven como advertencias, así que corrígelos). @6.5 mueve el cursor al tiempo 6.5 del ámbito escrito, para una segunda voz en una sola llamada. O usa mode="merge".

Tokens de patrón (para pattern): grados de acorde 1 3 5 7 9, 8 10 12 una octava arriba, 5-/3+ cambios de octava, b7/#4 grados alterados por encima de la fundamental, . silencio, - sostener, 1> acento. Ejemplos de bajos: "1 - - 1 . 1 5- ." (pop), "1 . 1 . 1 . 1 ." (corcheas, synthwave), "1 - 5- - 8 - 5- -" (sensación de walking). Arpegios: "1 5 8 10 12 10 8 5", "1 3 5 8" con rate 0.25 para semicorcheas.